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龙艺榜画廊刘瑞昭个展《钓鱼笔记》

展览名称：刘瑞昭个展《钓鱼笔记》
策展人：托泥

时间：2009 11.20-12.30

作品：2006-2009年绘画与雕塑

地址：北京朝阳区酒仙桥路2号798艺术区797东街 龙艺榜画廊

电话：+86 010 59789698    ， 13661054122

email：Jessica@longyibang.com ，crm369@yahoo.com.cn

http://longyibang.com/indexcn.html

策展人托泥的来信：

瑞昭，你好！
近闻你的创作又遇到了新的障碍，这并不让我感到意外。从事艺术这个职业，很多时候都是在挫折中度过。你的困境说明几年来你没有使自己的绘画流于程式化，仍然以真诚态度对待每一幅作品，这是非常令我欣慰的。
你酷好钓鱼，你告诉我：鱼和神化中的龙有关，它们在深不可测的水中游动，沉默不语。你把空闲时间都投入到对钓鱼技艺的潜心钻研，琢磨古怪的问题诸如如何放生、如何从鱼鳞考究鱼的寿命等等。因此，我才提议《钓鱼笔记》这个创作项目，希望能包容你几年来的创作实验与精神成长。你画的少年在夜晚的水中独自与鱼相伴、夕阳晚归时手执鱼杆、或者在屋内发呆…在他们身上，多少可以看到你的影子。你的钓鱼经历（比如对鱼塘边垂钓者的世态炎凉的观察、在野猪岛夜遇大野猪等）给你的画平添了玄妙与神秘的气息。我同意你的观点：艺术家的创作成熟的进程如同钟摆，振幅越大（实验的跨度越大），待稳定之后则更加有力量。《钓鱼笔记》让我想起你在艺术实验中思想冲撞的日日夜夜：在画室里，你从景德镇运回的大木箱还包裹着稻草，你小心翼翼地从中取出雕塑的毛坯；那天晚上，你穿着大褂，在争论的高潮要把自己刚画的画撕掉；墙壁上是你用毛笔涂抹的”自由、力量”的文字…
钓鱼是多么奇特的活动。它是钓鱼人耐力绵长的智慧与偶然性的相遇，结果无法预期，也许枯坐一生也徒劳无功，也许灵感和惊喜在绝望时才会跃水而出；钓鱼目的性明确，但又不能拘泥于功利，高超的钓者如姜子牙立钩渭水、寓意高远…对你而言，钓鱼是介于生命的行动与无为之间，蕴涵着创作的状态：犹疑、冥想、隐忍。通过《钓鱼笔记》，我看到你在通过思考”钓鱼之道”，质询艺术家创作的本质性问题。为什么创作？为什么在沉迷于一些不切实际的、神秘的事物？钓鱼成为艺术创作乃至人生意义的隐喻。在这个时代，先哲已远、一把把思想的钥匙生锈，《钓鱼笔记》反映了一个青年艺术家在此刻所面临的精神困惑。
你对自己的画始终不满意，在画布上反复修改，偏执地在色彩、笔触、人物姿态表情之间追寻精神的尊严，情绪时好时坏。对这些困扰你不必过于焦虑。一个人脑子里有很多东西才会自相矛盾、犹豫不定，这是精神成长的必须。只有沉浸得越深，才会有惊喜的发现。钓鱼的玄机其实在过程中，不是拎着几桶鱼回家才算胜利。我现在意识到：陷于自己设置的陷阱是你打开自我的密匙。每个艺术家如同一个垂钓者，在喧闹的世俗生活的涌进中，他坚持停留在生活的河岸边，不被波浪裹携而去，在孤独中自我怀疑。重要的是你仍然一如既往地坚信：在这个花样翻新的时代，绘画追寻着超越思想观念的”神迹”，永远是不可替代的、神圣的劳作。因此你需要极端的智慧、坚韧，微笑着咀嚼垂钓的枯涩。
看来我们一起去越南不能成行了。虽然我还一直心向往之。在灯下草草给你写信，想着此时的你也许在景德镇的星光下写字、琢磨古代木器的建筑结构与样式，或夜读《聊斋》，在自己的内心狂乱的荒野中作精神的垂钓…希望你保持这种可贵的生猛；想想再过十年，我们的敏锐的精神世界也许衰退，希望你在河边的思绪永远是鲜活而自在无羁的。
祝好！
托泥 即日
姜子牙钓鱼注释：姜尚（姜子牙）因命守时，立钩钓渭水之鱼，不用香饵之食，离水面三尺，尚自言曰：“负命者上钩来！”-《武王伐纣平话》

奢华、典雅、高贵是艺术北京·经典艺术博览会给人的初次印象，正如北大教授朱青生在他的演讲中所说，“这个博览会是给富人看的，我们的学生想来学习都望而却步”。红地毯通道、奔驰汽车、爱马仕展厅无不透着一股贵族气，更有甚的是门口的安检设施。或许经典应该与高雅奢华相联系，但艺术的经典只存在于艺术作品本身，本不该影响观者的身份贵贱。艺术北京·经典艺术博览会论坛，与整个博览会同出一辙，走高雅路线，以vip身份，坐在奔驰贵宾房的黑色纯皮沙发上听演讲，如此舒服的学习交流环境，有点受宠若惊，似乎与贫穷做学问背道而驰。不知道如此高贵的博览会，是否会影响艺术作品销售的价格呢。

既然是论坛，顾名思义是以讨论交流为主，或许是听众比较少，或许是听众都是vip会员，即业内的实践性人才，论坛的互动交流环节，较之其他论坛要活跃，更切入市场与实践，无论是听者还是讨论者都受益匪浅。

论坛始终围绕“经典艺术”的收藏与市场行情来研讨，因此对经典艺术做深入的了解是必然的。所谓经典艺术，可以是已故大师的艺术作品，可以是对一个时代产生影响的作品，也可以是一个流派的代表作品，无论怎样，它一定会是在艺术史上有一定地位的作品，对当时代的艺术有研究价值的作品。因此，收藏经典艺术作品，是有价值的，稳妥的。随着中国艺术市场的成熟，收藏经典艺术也逐渐受到关注。收藏经典艺术作品与以往的收藏艺术作品不同，具有一定的历史时代意义。它对收藏者的要求不仅限于金钱方面，对收藏者的知识面，对艺术史的认识程度也要求颇高。可以说，一位成功的经典艺术收藏家，可能同时具备两种不同的身份，即收藏家与艺术史学家，并同时提升了收藏家的学术地位。

面对当下，高新科技时代的到来，新媒体、影像等新兴艺术不断发展壮大，成为引导这个时代艺术的领头羊。似乎多元化艺术已逐步被人认可，紧跟着的当代艺术、行为艺术等先锋艺术，像主心骨般支撑着整个艺术市场的兴衰。原本经典艺术已很少被人提起，甚至几近忘却。而全球性的金融危机下，经典艺术以其坚韧不拔的精神，冲破了这场暴风雨的洗礼，开始受到艺术家和收藏家的青睐与关注。当一个社会、一个时代发展到一定时期时，定会回头看看从前的历史、取其精华、去其糟粕。经典艺术在此时代充当了这个角色，回顾艺术史，品味经典艺术。

经典艺术在当代，算是个有争议的艺术形式。“经典艺术”这个词，看似很专属，却囊括很多。通常意义上的经典艺术，指的是从西方经典大师作品到19世纪欧洲艺术到印象派和战后艺术，再到中国的古代书画和近现代书画。在如今的艺术市场上，或是商业群体中，大家谈的最多的是当代艺术、新媒体等，中国人的从众习惯使得此两种艺术形式成为这个社会的主流艺术。而小部分群体，开始关注经典艺术，他们尝试着理解经典艺术，投资经典艺术，在荆棘中摸索着前进。艺术北京的此次活动，以经典艺术为主题，可以说是给他们指引了方向，并打开了经典艺术的大门，让更多的人去关注，去认知。提高民族的文化使命感和经典意识，将传统文化发扬光大。

论坛上，艺术史学家的理论知识，与收藏家和艺术机构负责人的市场经验，相互融合，互补优劣，不仅搭建了艺术史学家、收藏家、艺术机构负责人交流的平台，更从中系统的整合了经典艺术的理论体系，使经典艺术更趋专业化、学术化。

此次论坛，围绕经典艺术，从艺术史学的阶段划分，到艺术市场的收藏等各个方面，研讨当代艺术市场中的经典艺术。论坛形式自由，多样化，增添了学术论坛的活跃氛围。首场的赵力，以艺术史的形式，为听众梳理了20世纪中国油画的各个流派与名家，第二场的哈格曼画廊的哈格曼（Jan Hagemann）先生与清华美院的张敢教授，以“西方经典油画的收藏”为主题，展开了讨论，并从中西双方的不同角度，阐释经典艺术的收藏与投资。

哈格曼先生是专门收藏经典艺术的专家，因此，引来下面观众的多次提问。哈格曼先生的画廊是家族企业，早在40年前，他的父亲即已收藏经典油画，并熏陶着哈格曼，热爱艺术并逐渐接触了解艺术。两年时间，哈格曼在中国已经拥有两个画廊，并不断壮大。他认为，在中国销售西方经典油画，需要有一定的耐心和钻研精神，必须读透中国的艺术市场，才能“对症下药”，深入了解中国的艺术市场，才能懂得买家所关注的艺术品。哈格曼先生针对西方经典艺术画廊的市场做了分支，第一个分支，是在500年前-200年前之间，主要是指大师的艺术；另一个是在19世纪——20世纪之间，而19世纪又有两个小的分支，一个是经典艺术，一个是印象派，占有份额最大的就是19世纪经典艺术，因为它在价格上让人们能够接受，印象派这部分份额比较小，因其价格比较高。

针对赵力提出的关于伦勃朗协会的问题，哈格曼先生做了详细的回答，伦勃朗协会的全称是伦勃朗调查协会，由三个伦勃朗专家组成。伦勃朗有个很重要的特点是他有很多学生，有些作品是他大致勾勒后，由学生所做。所以要不仅注意是否是伦勃朗的作品，还要注意是否是他百分之百的心血。19世纪60年代，调查显示，大概有800多幅伦勃朗的真迹。直至今日，最近的数据显示，伦勃朗的真迹仅有350幅。

哈格曼先生以其多年的经验，向听众解答经典艺术在艺术市场中所遇到的实际问题。而张敢教授，则是以其学术理论知识，向听众讲解经典艺术在艺术市场中所占据的地位。

在中国的早年时间里，西方艺术收藏算是空白，只有中国美术馆有一部分作品，是德国的路德维希捐赠的西方当代艺术。但对于经典的西方古典艺术的收藏，中国几乎是空白。我们的收藏是在为下一代人收藏，是将来中国艺术的一个组成部分。例如日本，西方当代艺术的收藏市场就很大，而这些收藏对日本的艺术家都会产生一定的影响。如果今天我们能有这样的收藏，对于我们未来的艺术创作、繁荣会起到很好的作用。目前，由于西方画廊的经营比较规范，价格也比较公道，我们收藏西方当代艺术，给我们提供了很好的可能性。而谈到西方艺术收藏，需要一个除了钱的准备，即知识上的准备，例如对西方美术史的一个准备。除了西方经典艺术的收藏，当代艺术也值得关注，张敢教授认为将来东西方艺术的交流会变得非常自如、频繁，对于西方经典油画的收藏，是一个好的方向。

对于经典艺术的界定问题，张敢教授认为很难界定，经典艺术应该是已故大师的作品，并且是在一段时间内价格是稳定的，或者大家对他评价是比较固定的，比如19世纪的布格罗，他生前说：“我的每一分钟都值400法郎”，而他死后，价格一落千丈，甚至有人在他的画上再画一幅画将原画盖住。而到20世纪中叶时，他作品的价格又被重新提升，大家又开始重新认识类似布格罗这样的画家。在当代艺术家眼里，和现代批评家眼里，或许学院派画家不值一提，是比较低级的，但实际上，慢慢随着时间的发展，，我们会重新认识这些学院派画家，他们的价格也要被重新估价。这些人，如果被称为经典，他们的价格可能会有所波动，而在世的艺术家，再过50年，他们的作品被称作经典，张敢认为是值得怀疑的。

中国艺术史学家的理论知识，与西方经典艺术画廊负责人的实践经验，可以直观的阐述经典艺术的存在意义及发展进程。是此次论坛中较具代表性的一次研讨。而此次研讨会，结合博览会的进行，更加形象化，使研讨会达到一个高度，不再是纸上谈兵，同样也使博览会更加学术化、权威化。经典艺术的主题，将会成为艺术北京里永远的经典话题。

在墙和云之间

艺术家：    Edo Pillu
开幕酒会：2009年11月21日下午3：00 – 6：00
展览日期：2009年11月21日 – 2009年12月21日
展览地点：北京市朝阳区酒仙桥路2号798艺术区2号路A01号楼华艺莎艺术中心
电话：        8610 5978 9858
网址：         www.vanessaartlink.com

最好的时光

策展人：张一舟

艺术家：曹静萍、李青、仇晓飞、齐丽颖、孙新宇、杨勇

时间： 2009年12月9日 – 2010年1月9日

开放时间：周一 – 周六 11am – 7pm （周日及公共假期闭馆）

地点： 曼谷当代唐人艺术中心

泰国，曼谷，Silom路19号919/1，Silom商廊广场，B-28单元，10500

开幕酒会：2009年12月9日（周四）6 pm

展览时间：2009年10月31日～2009年11月31日
展览地点：盛世喜神美术馆（798艺术区）
北京市朝阳区酒仙桥路2号口内250米
开放时间：上午10点～下午6点（星期二～星期日）
E-mail: colorofjoy.gallery@yahoo.com.cn

Tel: (010) 8459 9532 / 5978 9112

Web：www.colorofjoy.cn
“物色之动，心亦摇焉”。 艺术家乙妍此次的个人作品展的范畴，是可以令人深入省思和体味的。“物色”不是仅指自然事物本身，亦是自然事物所呈现出的外在形式、形象，同时，还指其所蕴含的生命力。“物色”即为名词， 又为动词。 可指各种物品，风物、景观，也包括形貌，色彩，情色以及质量等含义。而做为一种标准的探寻， “物色”即是看见，也是向制高点迈进的精神。
乙妍此次的作品展不仅有全新的绘画，还涉及摄影和装置。乙妍把对现实的种种感受都隐喻地转换和表现在自己图像世界里。乙妍的绘画有血有肉，有情有灵。而情色并非乙妍的真正主题，她是通过“性与情的精神锁链”把自然人的原始生命力、性别气质、潜意识、幻想和灵性与当下社会的种种关联搁置于一个神秘而充满幻想的美妙境地。乙妍以敏思物色着感官所觉知的客观世界的“物色”，由外境所感，创作着心相世界的“物色”。而给以观者，又将是另一番”物色”的遐思。

可达 – 变化模拟技术

艺术家：可达

开幕酒会时间：11月28日  下午6点

展览时间：11月28日至1月31日（周三至周日 11点至下午6点 接受预约）

地点：缘分新媒体艺术空间 大山子798艺术区七星东街

Kodda是一个数字矩阵里的流浪者，他玩音乐和绘画的同时也挥动着画笔 – 改变时间，尝试一种颜色、一种质感、一种姿态，并将它们与不断围绕着自己的低潮混合在一起，对现代绘画诠释出一种”独特而多声部”的全新演绎。

“Kodda将大师的作品加以变形与混合，重新诠释他们的作品，赋予经典风格新的活力。”文艺复兴式艺术的固有原则之一便是要用经典解决未来的问题，如今，Kodda对其做出了回应。在他的多面性和对审美完美的追求上，Kodda具有一个文艺复兴时期男子的特征，在千变万化的领域中，利用混合媒介尽情发挥他的创意天赋。作为艺术家，Kodda的作品展示了不同寻常的多功能性，同时保持着一种强烈的审美平衡感，在排列、增强、操作、绘画和音乐制作上（他为每一个展览的开幕式都特别制作合成音乐），他创造性的使用了尖端数码科技。Kodda指望一种极具冲击的效果反映在文艺复兴时期的肖像宗教艺术上，从而去获取必要的工具，以达到在其作品中要表现出的”超越人之因素，并捕获空灵”。

Kodda作品的一个更现代的参照点，是涉及艺术的蒸汽朋克运动。这场名字源于蒸汽动力机器的运动，通过对过去视觉的镜头展望壮美未来，珍视昔日维多利亚时代的元素。虽然蒸汽朋克并非与Kodda的作品有直接的关联，但它分享了同样的浪漫主义精神。Kodda用一双审视未来的眼睛，钻回到对文艺复兴的深入研究，可以说，他是一个定义于现代的文艺复兴人。

有许多的艺术家赐予Kodda创作灵感，比如卡拉瓦乔（意大利画家）、安格尔（法国古典主义画家），普桑（17世纪法国巴洛克时期重要画家）和凡卢（法国画家）。Kodda和文艺复兴大师画笔下的人物可被时间所分离，抑或有着各自的创作媒介，但他们则通过统一的观念和美学原则而走到了一起。

展览：          中国，2006

艺术家：    孙建春

策展人：      夏季风

展览开幕：  2009年11月7日下午3点

展览日期：  2009年11月7日-11月27日

展览地址：  伊比利亚当代艺术中心 展厅B

北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区E06

艺术总监：  左靖

总监：      夏季风

出品人：    高平

主办：     西班牙国际文化艺术基金会｜伊比利亚当代艺术中心

T: 86 10 5978 9530 / 5978 9030 

EMAIL:info@iberiart.org      

WEB:   www.iberiart.org

伊比利亚当代艺术中心将于2009年11月7日隆重推出艺术家孙建春个展——中国，2006。这是一个从海外回流的展览。08年5月，伊比利亚当代艺术中心在瓦伦西亚现代艺术博物馆（IVAM），策划了一个迄今为止在西班牙举办的规模最大的中国当代艺术展——“在瓦伦西亚55天”。孙建春的“中国，2006”，就是该次展览中体量最大也是最重要的作品之一。

2006年，孙建春每天都重复了一件同样的事，他从互联网上选取了一张当日的新闻图片并把它以绘画的方式记录下来，当这年结束的时候，他有了一件由365个画面和相关的文字叙述构成的完整的作品“中国，2006”。有了一个他私辑的一个公元2006年的中国的“图像编年史”。

今天，网络世界几乎成为了民间狂欢之地，其自由度、混乱感和丰富性令人错愕，这片无垠的虚拟空间可谓众声喧哗，很多信息出于民间的自发传递，真实而且迅速。从网络选择原始图片，无疑是在截取一个更近于原生态的“中国”形象，一种经由荧屏的框定后反而来得真确的年代现实。他的工作强度非常惊人，日复一日的信息遴选和架上再现需要强烈的热忱、意志与体力进行支撑，这场马拉松般的绘事在客观上受到了当时正进入巅峰期的当代艺术热潮的推动，同时，也具有一种自赎的行动性质，最终的实现意味了一个小小的奇迹。

2006年，在变化中的中国，是个“看上去很普通”的年份，艺术家选择了一种极为朴素的方式来表述这“普通的时间”。他说：“事实上，还原时间只是虚妄的念头，记录也许是保留时间的有效手段，‘每天一张’有着潜在的‘行为艺术’特征，——做一天和尚撞一天钟。这是个相对朴素的时间观，和相对朴素的修身方式，很像中国古代文人的‘日课’，对于逝去的每一天都有个具体的记载，对我个人而言，每天都给时间划了一个标记。

《中国，2006》可以视为新一代艺术家们对处于剧变中的中国所产生的集体焦虑的一种表达。这是介于“一个同时代的人所经历的图像的总和”和“一切都在细节中”之间的一次挑战，或者，一种跳跃，他的做法倾向于有关总和的描绘，但在事实上是提供了三百六十五个细节。如果不经由他的遴选与再现，其中很多生机勃勃的细节都会在不长的时间里复归于黑暗、寂灭，如同粉末，如同从未发生过。我们可以想象，随着时光的推移，孙建春的这组作品会逐渐演变为历史学的证据，其不定的意义有赖于未来的再解读。

Exhibition Information | For Immediate Release

Exhibition: China, 2006

Artist: Sun Jianchun

Curator: Xia Jifeng 

Opening: 7 November 2009, 3pm

Dates: 7 – 27 November 2009

Venue: Iberia Center for Contemporary Art

          E06, 798 Art Zone, no.4 Jiuxianqiao Road, Chaoyang District, Beijing

Art Director: Zuo Jing

Director: Xia Jifeng

Producer: Gao Ping 

Organisers: International Art & Culture Foundation of Spain, Iberia Center for Contemporary Art

T: 86 10 5978 9530 / 5978 9030  info@iberiart.org         www.iberiart.org

         Iberia Center for Contemporary Art is pleased to present the solo exhibition of Sun Jianchun “China, 2006” on 7^th November 2009. In May 2008, at Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Iberia Center for Contemporary Art organized the largest Chinese contemporary art exhibition ever held in Spain “55 Days in Valencia: Chinese Art Meeting”. Sun Jianchun’s China, 2006 was the largest and also one of the most important works on display in that exhibition.

         In every single day of 2006, Sun Jianchun repeated the same task — he chose one news photo on that very day from the Internet and painted it. At the end of the year, he completed his work China, 2006, which consists of 365 paintings and related literary narrations. This forms a personal edition of “picture chronicle” of China in 2006. 

Today, the Internet world has almost become a carnival place for civilians. Its liberty, confusion and abundance are stunning. This is a boundless virtual space full of confused noises. A lot of true information is spontaneously transmitted among civilians rapidly. When Sun Jianchun chose original pictures from the internet, he was undoubtedly truncating an image of “China” that was closer to primitive ecology, a more genuine fact of the era being framed by the screen. In fact, the intensity of his work is stunning enough. The selection from day to day and the reproduction the images on canvas required strong passion, will and strength as support. Objectively, this marathon-styled painting was promoted by the contemporary art wave which had just reached its peak at that time. Meanwhile, it had a meaning of self-salvation. The final realization was like a small miracle.

2006 is a seemingly ordinary year in changing China. The artist has chosen an extremely plain means to articulate this “ordinary period of time”. He observes that “In fact, trying to bring back time is just a fabricated idea. Recording might be an effective way of keeping time. ‘One painting everyday’ has a hidden character of ‘performance art’. Doing one’s job perfunctorily, this is a relatively plain understanding of time and a relatively plain way of cultivation. Just like the ‘daily class’ for ancient literati, there was a detailed record for each passing day. In my opinion, I make a mark for time everyday.”

China, 2006 can be regarded as a kind of expression of collective anxiety by artists of a new generation who are in an abruptly changing country. This is a challenge or a kind of jump between “the combinations of all the images that a contemporary of the same status experienced” and “everything is in detail”. His method is inclined to a description about aggregation. But in fact he offered 365 details. Without his selection and reproduction, in a short period of time, many of those lively details would go back to darkness and die there like ashes, as if they had never happened before. We can image, as time goes by, this group of Sun Jianchun’s work will gradually develop into a proof for history research. Its indefinite meaning is dependent on the future re-interpretation.

展览名称：我的孤独是一座花园 – 牟林童作品

 策展人：  董晴

 参展艺术家：牟林童

 展览时间：2009.11.07-11.30

开幕酒会：2009.11.07  15：30

展览地点：玉兰堂画廊 北京市朝阳区酒仙桥路2号798东街

牟林童，自由、不羁；绘画、诗歌、音乐的“全才”；加上那么点忧郁的小气质，这个身材标致得让绝大多数女孩都羡慕的大个子，在自己众多的“粉丝”面前，却总是少有言辞。最多是提起笔，给你画一幅肖像。依然是简单勾勒的线条，每一个还是像极了他作品里的人物，没有标志性的形象细节，你就是我，我就是你，每个人都有着一座属于自己的孤独花园。09年初冬的玉兰堂，让牟林童引领我们走进那座孤独构成的花园。

飙风—内蒙古本土雕塑家联展

 策展人：罗 敏

主    办：内蒙古自治区雕塑学会

                3818库画廊

协    办：北京美术家协会雕塑艺术委员会

北京YMCA白雪美术研究会

媒体支持：中国艺术新闻网

中国艺术文化网

艺术国际网

和艺术杂志

库艺术杂志

展览日期：2009年11月14日—12月3日

开幕日期：2009年11月14日下午3时至6时开幕酒会

参展作者：铁木、訾云程、赵志生、李亚平、王大勇、侯军、贾一凡、杜俊平、 

                     丽莎、柏林、白莉丽、布仁、幸华银、斯毕米德格、查娜

 飙风—来自内蒙古的浅读

 一个属于马背上孕育的文化现象，在当下的多元文化中依然夺目。一群内蒙古的雕塑家坚守着蒙古民族的信念，还保持着它原汁原味的符号，实为振奋。

 无论种族，无论文化差异，只要在那片有灵性的土地上生活久了的人们，你就能和上苍对话，你就能听到那久远的长调牧歌和成吉思汗的马蹄声……。

 来自内蒙古草原的15位中、青年雕塑家们，带来的20件精品将于11月14日亮相798艺术区。这无疑给深秋中的798吹来了一股强劲的西北部的“飙风”。

在展出的作品中，人与马和自然的关系已融入了人类的血和情，达到了高度的统一。尤如蒙古族长调那样抒怀，那样感念。凸显出我们人类对大自然的深深敬畏，和对先人的感激…… 

现实的观察

 策    划：卓越艺术

艺 术 家：陈文波 马树青 潘剑 秦玉芬 谭平 王强 钟彪 

开幕时间：2009年10月31日下午4时

展览时间：2009年10月31日——12月13日

展览地点：卓越艺术，北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区D10

开放时间：周二至周日上午10点至下午6点

联系电话：+86 10 5978 9788

电子邮箱：joyart@yahoo.cn

网    址：www.joyart-beijing.com

如何理解现实？这一多重角度的概念在中国主流文化中只是把艺术中的现实主义作为对社会现实的理解。尤其在过去的时代，革命现实主义几乎成为诠释社会的唯一方式。

现实的观察与现实主义完全是两个概念。如果现实主义是一种艺术风格，而现实的观察重要的则在于强调观察者的个人自由，而后者与其说是从新定义的现实主义，毋宁是我们对今天时代重新的理解。在这个层面上，社会变革并非仅仅来自经济发展的动力，与此相比，个人价值，个人取向，个人自由在社会的公共空间中的作用更是现实社会的决定元素。

卓越艺术空间将于10月31日下午4时开幕的，“现实的观察”艺术项目中，重力推出中国当代艺术领域的代表人物：陈文波马树青 潘剑 秦玉芬 谭平 王强 钟彪。(名字按字母顺序排列)

绘·画——何森个展

 艺术家：何森

策展人：黄燎原

开幕时间：2009年11月14日下午15：00—18:00

展览时间：2009年11月14日——12月1日

展览地点：北京市朝阳区崔各庄乡草场地村红一号院E座 北京现在画廊

咨询电话：010-51273292

北京现在画廊将于2009年11月14日举办何森个展——“绘·画”。此次展览是何森自2006年以来的首次国内个展，刚刚参加了今年威尼斯双年展的作品也将出现在本次展览上。

 在以中国传统国画为题材的艺术家中，何森作品传达出的精神性距离传统绘画精神既是最近的一个，也是最远的一个。作为绘画生产者的何森，与古人一样在一次次的运笔中畅快淋漓表达着个人情绪，作品的完成同时也意味着艺术家情绪的完整宣泄，相隔千年身处不同时空的艺术家在对同一幅作品的处理中找到了绘画作为一种手工技艺的共同乐趣。而作为绘画研究者的何森，则用当代的处理方式重新诠释了绘画的呈现和观看方式，无论是用不同的方法对同一件作品的“拼接”，还是蜻蜓点水地截取作品局部加以重新描摹，颠覆式的再创作显示出何森对于绘画原理孜孜不倦的追求。

 在“都市女孩系列”获得广泛认可之后，何森用他的新作品表明了一种清醒：社会性仅仅是绘画的一部分属性，为社会和历史提供一种新的思考方式和观察角度才能使艺术作品穿透时代从而实现永恒。

杜撰 II—魏青吉作品展

展期: 2009年10月11日－11月20日

开幕酒会: 2009年10月17日星期六下午4-6时

主    办：高地画廊
开放时间：11am~6：00pm（星期二至星期日，周一休息）

地    址：中国北京市朝阳区酒仙桥路2号798艺术区706北四街B10

在魏青吉近期作品中，他对中国当代艺术的一个常见题材进行了探索，那就是一个社会主义社会中商业文化令人惊讶的存在。这样的并列暗示着荒诞不经，但统合的和谐却支配着作品整体，他精心的构造的图象显示了可明显感知的张力与合乎逻辑的清晰决断。

魏青吉的自我评述说明他对艺术界中有关国画演变的种种争论并不关心，他的个人风格也确实证明了这种态度。无论主观意愿如何，他都有效地显示了艺术媒介的灵活性，以及中国传统视觉艺术形式在现代社会的持续相关性。魏青吉的个人视野将其后现代的艺术风格与传统国画领域的精神特质紧密相连，那就是视觉与想象空间的永无边际的自由拓展。

展览日期：    2009年11月19日 – 2010年2月25日

开放时间：    10:00 – 18:00 （周一休息）

地 址：       北京朝阳区酒仙桥路4号大山子798艺术区

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 刘建华新作于北京公社内显现出一种既平静又具挑战性的美学概念，以青白瓷烧出现实与虚幻的反差。写实的手法下，刘建华把事物的真实性放大，更集中在纯粹的材质对物体价值描述的对比。他从当下社会现实讽刺的现象、文化歴史的探究，转移到更令人深思的存在议题，自去年的无题系列起刘建华便带领着观者以更抽象的切面思考。思考的是东方思想中的虚无，如同在空白的表面寻找答案。透过这些既坚固却又易碎的青白瓷，他在日常生活的语境下带来抽离感。

开幕时间：2009年11月7日 周六 16: 00-19: 00

展览时间：11: 00-18: 00（周一至周日，2009年11月26日结束）

展览地点：安妮画廊ANNIART 北京798艺术区

奥地利里的中国和中国里的奥地利

这是第一次在中国举办15位奥地利艺术家的联展。此次展览特别值得关注之处在于所有的作品均为艺术家在中国居留时期所创作的，这些作品是艺术家以各自独特的艺术语言对东西方不同文化的探讨。此次展览可以使我们深入的了解这15位艺术家如何将灵感，使用不同的艺术语言和形式转换到艺术创作中。这15位曾经住在中国的奥地利艺术家，都有了一种去中国的嗜好。

来自世界另一端的他们，来到东方，和当地人一起聚餐，品尝那些同奥地利当地的中国餐馆完全不同的中国餐。他们结识了新的朋友，那种一生难忘的朋友。艺术家们第一次体验到这种国际化的生活和工作环境，中国里的奥地利和奥地利里的中国。我们属于同一个世界，同一个族群，虽然我们的语言和信仰不同，但是我们拥有一个共同的理想。15位艺术家运用他们的智慧和特长，在中国发挥着他们的想像力和创造力。

他们与传统画家交流，访问和采访当地的艺术家，与音乐家共同作曲，影响没有观点的媒体记者，在这个世界最大的城市制造自己的汽车，挂起旗帜表示自己的不满，和中国时装设计师一起设计和制作新的时装，涂抹照片，脸上彩绘，拍摄那些没被注意的快速变化，他们用自己的视角穿过城市、走遍中国进行调查，付出巨额的出租费，跑到非法集市和没人去过恶臭的地方···。他们回到奥地利就是希望能够再回来中国继续完成他们的工作。他们一致认为：停留的时间太短了——应该有足够的时间去完成作品。

15位奥地利艺术家是：Lukas Birk、Karel Dudesek、Sylvia Eckermann、Kerstin von Gabein、Nikolaus Gansterer、G.R.A.M.、Michael Hoepfner、Ulrike Johannsen、Ronald Kodritsch、Jasmin Ladenhaufen、Ralo Mayer、Matthias Meinharter、Gerald Nestler、Rainer Prohaska 和Kamen Stoyanov。

分享差异

米饭是中国人的主食。《论语•乡党》中说：“肉虽多，不使胜食气”。就是说，不要吃太多的肉而不吃谷物。孔子的这句话虽然应当从健康的角度来理解，但他的这一陈述也应该包含了合于礼教和尊崇文化传统的意思，因为传统农业社会的根基在于粮食的生产，而理想的儒家社会建立于稳定的伦理和情感的遵循和守护中。西方人来到中国，最直接感受到的差异之一就是饮食，它来自最基本和直接的身体体验。除了中国人的外表特征外，语言、饮食、文化系统的各种表征使西方人感受到了异质文明的特征。然而在中国现代化的过程中，日常生活已经少有与西方不同体系的元素，衣、食、住、行中唯有“食”还保持着独特的面貌。当代中国处于传统农业社会向工业和后工业社会转化的时期，饮食习惯与文字和各地的方言一样，仍然保留着古老的传统。

米饭有着比西餐中的面包更重要的地位。这是一个从日常经验来了解中国和西方差异的例子。此次18位奥地利艺术家展出的作品有一些直接来源于他们在中国的日常经验。例如Ronald Kodritsch直接将“米饭”的拼音写在他非常个性化的绘画作品上，并且还标注了汉语特有的音调。同样的情况还有画面上的中文“牛肉面”等。G.R.A.M.小组中国戏曲脸谱化妆的西方人形象也是出没于中国城市的各个角落，作用于日常空间和氛围，寻求文化之间背后的和潜在的交流。虽然作品背后有着深刻而复杂的概念和形成的过程，但Michael Höpfner旅行西藏的结果只是非常日常化的当地人的合影和纪念照。Ulrike Johannsen 的作品利用在中国大量出版的时尚杂志。Rainer Prohaska对中国三轮车的改造，以及他在北京街道的行驶并且与街头的普通人的交流都脱胎于对日常的现实生活的观察和认识。还有Ralo Mayer 偶然发现的中文标语横幅，Karel Dudesek 找到的无用的现成物品，Kerstin von Gabain 搜集的被扔掉的纸牌，Lukas Birk用过期的波拉片拍摄的旅游照片等，都是从观察身边的人和事，亲身介入到日常面对的生活当中，以艺术家各自的艺术认识和艺术探索同环境中的现实相契合来创作作品的。

艺术家们还利用了不同文化元素的对照、并置、融合和互动。G.R.A.M.小组的中国戏曲脸谱对应着欧洲人的脸孔和当代人的装束。Ulrike Johannsen的时尚杂志用中文歌词对应着西方产品广告。Matthias Meinharter和Nikolaus Gansterer的传“画”游戏让启动游戏的原稿——墨西哥女画家弗丽达正在创作自画像——逐渐消失在产业化的拷贝图景中。Gerald Nestler 和Sylvia Eckermann对奥地利和中国的艺术家和学者的采访使从各自角度出发的言论聚合到了同一个平台上。Rainer Prohaska的三轮车糅合了不同价值体系下对交通工具的态度。Jasmin Ladenhaufen 从绘画到服装设计再到绘画的操作过程对比和综合了各种因素介入下产生的结果。

欧洲的艺术家对时空概念是敏感的。地点、路线以及到达特定的地点所产生的意义常常出现在他们的作品中。Rainer Prohaska走遍北京的三轮车有精确的轨迹图。Michael Höpfner在西藏的行走也使他体验了预期与到达中种种思想和情感的演化。G.R.A.M.到达了中国，他们用脸谱和错位的载体强调这一点。批量复制油画的深圳大芬村是Matthias Meinharter和 Nikolaus Gansterer作品发生的地点。位置移动和交换是构成Karel Dudesek作品的重要元素，通过地点和场所的改变，物品具有了不同的状态和意义。

 在今天的中国，无论来自西方或东方，艺术家们的创作都在一个日益深化和发展的全球化的背景之下。传统的消亡，环境、生活方式、价值观念的急速的转化和变迁达到惊人的程度。Lukas Birk时空错位的作品的意义最能在这种境况中体现出来。他貌似时光倒错的照片探讨和展现了在这样一个快速变化的时代被遮蔽的真实性。而Kamen Stojanov的说唱乐则以一种幽默的方式展现了在全球社会经济动态背景下的地域性事件。Michael Höpfner在作品背景介绍中讲述了进入历史空间中的特殊体验，触及了传统生态价值观在今天的困境，以及对发展和进步的怀疑。Ulrike Johannsen对杂志广告带有批判性的处理表明了艺术家的态度:被指定的行为方式与个性和想象的冲突。虽然Ronald Kodritsch的绘画风格在中国艺术家中属于司空见惯，这同样有赖于中国对西方艺术的学习和借鉴，但他的作品更具灵动的个人色彩，而不像中国艺术家在社会转型当中往往背负很沉重的思想包袱。Matthias Meinharter和Nikolaus Gansterer的“画中画”演绎了一个全球化的产业链的实例，劳动力的价值、手工性、体制化和产业化、文化差异等等系统和表现都被这一作品所衡量和判断。Gerald Nestler和Sylvia Eckermann利用全球化本身所具有的形式来邀请人们谈论全球化的议题，再用非常精巧和个人化的形式呈现出来。Michael Höpfner，Ralo Mayer和 Rainer Prohaska的作品映衬了全球化并非对等的状态：资本、技术、意识形态在全球扩张，而边远地区的劳动力和他们的文化却被禁锢在原地。

艺术家们总是在探索着艺术的内涵和外延以及新的艺术形式的意义。富于行动能力的艺术家总是敏于体验不同于自身文化背景的现实。这种面对和体验伴随着艺术家们对各自的艺术思维进行延续、丰富、发展甚至转化的过程。Matthias Meinharter 和Nikolaus Gansterer的“传画”用误差这一概念作为工具，探讨了我们时代风行的各种强势力量如何作用于个体的内在禀赋和某一文明中延续的传统，浓缩并呈现了一个隐藏的现实。Rainer Prohaska的三轮车在过程中增长发展，并被赋予了交流的媒介的作用，它是对现实的挑战，也是对现实的解释。Ralo Mayer的标语横幅在语义被阻断的情况下用相同的形式来介入表达。Karel Dudesek开始在市场上定做物品而非自己制作或是直接采用存在的物品。

展览中的作品具有多方面和多角度的实验性和当代意义，反映了艺术家们在中国或长或短的多种层面的经验和体悟。无论是对直接相关的身体体验，思想和情感的交流状态，对意识形态议题的探讨，对食物、语言文字、大众文化、地域和场所、日常生活、文化符号等等的关注，这些艺术家们表现出的状况已经同中国刚刚开始开放的时候非常不同了。作为中国观众，人们能感受到交流和互动的加深，以及所产生的更实际和更内在的意义和影响。交流是相互的，希望前往欧洲的中国艺术家们也能将自己内心的体验出色地表达出来，在更深层次的互动中推进人类文化的发展。

 张离

2009 10 北京

Depths

深 处

参展艺术家： 饶松青︱马思博︱岳杨

展期：2009.10.17（Sat.）～11.30（Mon.）

地点：北京市朝阳区酒仙桥路4号 798艺术区 8503信箱 仁画廊

TEL:+86 10 5978 9172

EMAIL: gallery@yanclub.com

WEB:www.yanclub.com 

 仁艺术中心将举办由三位中青年艺术家作品组成的联展——《深处》。这三位艺术家均以个体叙事为创作基点，关照内心深处的境况。饶松青的作品是一种深切的自我内心审视。灰色调子的苍茫远景构成其笼罩下的近景中的人或物的心理现实。马思博描绘着日常生活里安详、肃静的一瞥——只有客观物象的存在却处处遗存着生命的情感痕迹。朦胧的画面处理增加了作者的主观情感因素，又使凝固的日常瞬间升华入空灵之境。岳杨的作品像电影的长镜头叙事，空旷的场景中生命的孤寂与哀伤静静流淌，单纯的画面像是有恬淡的风徐徐吹过。

 

 大河画廊回顾展

展览性质：群展

策展人：姜健

展览时间：2009年11月15日—2010年3月

展览地点：大河画廊（北京市朝阳区酒仙桥路798艺术区798中二街D06）

开幕酒会：2009年11月15日下午3点 大河画廊

展览介绍：

 自成立以来，定位为中国专业的影像画廊，大河画廊成功的邀请了很多在国内外知名的策展人，包括栗宪庭、鲍昆、顾铮、冯博一、曾璜、詹姆士·纳什维尔等老师，举办了十余次有影响力和专业水平的展览，这里面包括了大河签约中外艺术家的群展和个展，也包括了很多具有公益性质的展览，例如有拉脱维亚总统出席的《拉脱维亚的一天》、与尤伦斯、新周刊共同举办的《什么写在中国人的脸上—中国百年肖像史》、以及红十字国际委员会、瑞士使馆合作的《战争中的世界》等等。在成功的邀请策展人杨小彦、顾铮和李媚主持了《醒—80年代中国摄影提名展》及研讨会之后，大河画廊将于2009年11月15日开始举办回顾群展，目的是让摄影家、摄影爱好者和热爱摄影艺术的人们都能够再一次欣赏到大河优秀的摄影师的作品。

 在他们中：姜健从80年代拍摄《场景》开始，以一种肃穆的端庄的拍摄方式，在中国摄影史上已经成为了重要的摄影家之一，他的作品被中国美术馆、西班牙瓦伦西亚美术馆、法国文化部等重要文化机构收藏；阿音拍摄蒙古人题材数十年如一日，照片多次被美国《国家地理杂志》采用，并刚刚获得了联合国教科文组织颁发的“人类贡献奖”；程玉杨亲历地震后的四川，昔日里高居大雄宝殿的各路神灵，在《神人》系列照片里，已变的满目苍痍；戴翔把雷锋搬到新的时代，用他的《新雷锋故事》给了我们不一样的诠释，也许这就是新时代价值观的尴尬；强晋用《六合圣像》向我们介绍了中国最大的天主教村—六合村，在他的影像里，村民们用中国人的面孔诠释了他们的信仰，一个中国版耶稣的一生；胡力用极其现实的场景和突兀而立的戏剧人物，构成了超现实的观感，让人产生一种不知身在何处的惶惑，《向后向后》是一种隐喻，引起我们探究的欲望又无处适从；在吴旗的镜头中，矿区的工业环境在影像中鲜明夺目，它们庞大而沉重，也微小而单薄。他的作品开拓了“夜”的影像美感，充满了动感，展现出紧张与舒缓、美丽与丑陋矛盾而行的夜的感性特质。

展览名称：《井上有一艺术展》

主办单位：浙江省文化厅国际交流中心、中国美术学院书法系、西冷印社；承办单位：浙江三尚当代艺术馆；合作单位：北京同心社文化有限公司。

展览场地：浙江三尚当代艺术馆（地址：杭州市延安南路52-1吴山商务楼）；展厅总建筑面积为800平方米。

展览时间：2009年10月24日至2009年12月20日。

10月24日为展览开幕日。当日下午2时30分举行新闻媒体发布会；3时举行开幕式；3时30分举行研讨会；6时举行自助晚餐酒会。欢迎各界人士届时参观！