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云南小镇之四2008年90×70cm

意大利浪漫主义艺术家  桑德罗·特劳蒂   天津油画作品展——–中国行   

展览时间 :2010年1月16日-2010年2月5日    
展览地点 :天津市光复道27号 意式风情区(天津)  
开幕时间 :2010年1月16日（星期六）  上午10点30分    
开幕地点 : 意式风情区（天津）
展览主办 :意大利文化处  
                    大楚艺术 
艺术顾问  : 巴拉巴拉   刘文  
策展人 : 卓霜  
展览配合: 王洋晶  

Italian Romantic Artist Sandro Trotti

 Tianjin  Oil Painting Exhibition—-China Tour

Duration:2010.1.16.-2010.2.5
 Exhibition venue:Italian Style Street（Tianjin）                                  
                                      Tianjin Guangfu Road, No. 27
Opening Ceremony:16.1.2010 （Saturday） 10：30 am
Venue:Italian Style Street（Tian jin）
Organizer:Italian Cultural Institute                   
                     Dachu Art
Art Consultant:Barbara Alighiero  Liuwen
Exhibition Designer:Zhuo Shuang
Exhibition Assistant:Wang Yangjing

“来到中国让我又重新找回了创作的激情和冲动。”意大利当代著名艺术家桑德罗·特劳蒂（Sandro Trotti）在一次与著名油画家陈丹青的对话中这样说到。2010年1月16日，《桑德罗·特劳蒂 “中国行”油画作品展》在天津意式风情区（天津市光复道27号）拉开帷幕。这位74岁的意大利艺术家，用30幅油画作品向我们展示他在中国工作、生活期间，以一名艺术家的敏感所捕捉到的中国人和中国文化特性。据展览策划人介绍，此次展出的是最新在中国期间所创作绘画的部分作品。

桑德罗·特劳蒂1934年出生在意大利与文艺复兴时期绘画大师拉斐尔的故乡乌比诺十分靠近的马尔卡省的蒙特乌拉诺（Monte Urano）。1949年，他进入罗马美术高中和罗马美术学院学习绘画，现任罗马美术学院终身教授。1960年以来, 桑德罗·特劳蒂获得拉蒂纳市（Latina）绘画奖章、国际Zahrtmann绘画竞赛金奖等十几个国际上重要奖项, 在众多国家举办过个人作品展。其作品被编入库尔齐奥出版社(Casa Editrice Curcio)出版的国际百科全书，被包括乌菲奇美术馆在内的世界上许多著名博物馆收藏。1990年, 桑德罗·特劳蒂为世界杯制作了专题版画。1997年,他出任罗马第二届国际艺术双年展(SALA del BRAMANTE)组委会主席，担任了”Grottammare,cittàdi Pericle Fazzini”绘画竞赛组委会及评委会主席。2006年,意大利著名的Spirali出版社出版了《拉菲尔·桑齐奥与桑德罗·特劳蒂》和《生命的升华》两本重要的大型画册。桑德罗·特劳蒂的画集的也被国内多家出版社出版。

桑德罗·特劳蒂的作品题材丰富，画风多样，格调高雅。评论家认为，其作品 “无论是早期的新未来主义抽象构图，还是近二十多年来的新表现主义人体作品，在鲜明的个性中又折射出西方当代艺术潮流发展的轨迹，是西方后现代主义绘画演变的缩影”。

特劳蒂先生对中国有着深厚的感情，关注中国文化已有二十多年。从中国绘画中吸收了很多有益的东西，特别是对线条的处理，不再局限于西方传统绘画中要求表现的阴影、体积感等。近二年，桑德罗·特劳蒂一直被中央美院、中国人民大学、中国美院等中国各大院校特邀客座教授。

 “作为一个真正的艺术家，最重要的是对自己的坦诚，更轻松的、自由的去创作”。此次“‘中国行’油画作品展”正是为人豪爽热情的桑德罗·特劳蒂以自己独立的艺术思想体系、独特的艺术语言和表达方式对自己所感受到的东西方文化碰撞进行的一次集中展示与探索。我们看到作品“块面的重叠与错动来表现的空间感”，简洁而又灵动的线条、笔触，绚烂、有着强烈的视觉冲击力的色彩，生动的形成了一首首中国风韵的抒情曲。作为典型生活在罗马的艺术家，他“天生具有拉丁艺术和谐优美、热情明朗的传统基因”与中国文化相交融的表现，是一种“以数学家的严谨和诗人的散漫融合起来的激情创造”。

作品中大部分是对中国女性形象的描绘，画面中温柔、端庄的中国女性形象与此前特劳蒂偏爱表现的、以充满野性活力的黑人模特儿为代表的西方女性形象形成了鲜明的对比。“西方女性大部分感情热强烈，性格奔放。而中国女性受传统文化的熏陶，性格更为内敛、柔美。”与以往不同的是，此次展出作品中的东方女子几乎都是以完全正面或是半侧面，端座一处的形象被呈现在画面之上，成为画面的绝对主体。画面构图稳定、内敛，恬静婉约或是微微浅笑的表情，散发着如同春风拂面般的柔美气息。勃勃生机的明丽色彩更好地呈现出东方女性之美。偶尔的风景小品以线与色块的交错形成眼花缭乱的绚丽画面犹如跳动的音乐符号一般。

这是与之在中国的一种交流对话，是他对所感受、吸取的中国文化最清澈的直接表达。75岁的桑德罗·特劳蒂仍然保持着艺术家最敏感的感知力和最旺盛的创作力。 “凡是在世界的一个地方出现了多种文化的碰撞、冲击、交融的情况，它必将是将来的文化中心。我觉得这个文化中心将必定在中国。”我们也期待桑德罗·特劳蒂能有更多更新的作品在中国亮相。

任静，水之深，440x180cm，布面丙烯，2009

“万花筒”青年艺术作品展
参展艺术家：任静、郭涛、吕淼、孙文、关奉东
策展人：李苏桥
展览开幕：2010年1月8日下午4点
展览日期：2010年1月8日—3月3日
展览地址：北京空间画廊
（北京市朝阳区草场地红1号院C4座）
电话：+8610 51273246
传真：+8610 51273246
E-Mail：gallerybeijing@gmail.com

http://www.gallerybeijingspace.com

综合1929年美国经济危机对艺术品市场造成的重创，20世纪80年代日本人创造的艺术品市场神话的破灭，这场由美国次贷危机引发的全球经济危机，似乎也难逃命运。经济危机过后，中国当代艺术迫切面临的问题，就是迅速走出冷战思维，调整心态，重新建立一种“向上、乐观的精神”，积极打造属于我们自己的当代艺术。
 
这次参展的五位艺术家：任静、郭涛、吕淼、孙文、关奉东，将向我们展示富有自身特点的作品。在艺术形式上，他们通过不同的艺术媒介和表达方式，展现了不同的思考方式。他们站在时代的浪尖上，高瞻远瞩，敢于创新，创造了属于他们独特的艺术语言和呈现方式。
 
任静的作品流露出一种忧郁的感伤，他的人物放置在充满荆棘的环境中，处在不安的情绪里，用无辜的眼神看着我们，让人产生怜悯。在有限的画面表现了虚幻的故事情节，似乎有一股寒气从画面中流淌出来，用他自己的话说是“身在绝望，却又看得到希望”。
 
郭涛的作品就相对理性了一些，画面一直没有艳丽的色彩，而是一种强烈的时代感，隐约看到文革对一个人的成长产生的影响，郭涛的记忆似乎一直停留在当年，在情感上是沉重的，这种情感也深深地反映在艺术家的生活中。《大团结》的画面并没有让人看到太多的喜悦，像一张褪色了的照片，严肃，隐约地藏着心灵上的痛。
 
吕淼结合了漫画的形式和轻松诙谐的语言，作品像一部二维的舞台剧，演绎着戏剧性的人生。他运用的新型绘画材料，没有了传统绘画的笔触，但是画面上每一个细节的衔接都恰到好处，组合地相当完美和谐，一种全新的质感体验。
 
孙文的纸上作品是艺术家的精心之作，宣纸上淋漓尽致的水墨，流露出艺术家的艺术修养，透露着贵族气息，黑白灰的处理很好地诠释了这样的感觉。孙文在绘画的过程中是非常有感觉的，这种对画面的强烈的感觉透过薄薄的宣纸传达给了每一个观者，让人走进他的画面，看到艺术家内心的清澈、透明与真挚。
 
展出的一组关奉东的作品，名为《黑夜系列》，还有一组《白天系列》与之相对应。与孙文完全不同的黑与白，记录着无尽的成长轨迹，他总是在不同的城市间穿梭，以及其简单的形式描绘发生在身边的人和事，无意识地在画面上发挥自己的本能，又像夜晚做的梦，梦醒后，记录着梦里的某个画面，但是都不连续，带有童话般天真浪漫的气息，笨拙中透露着率真。
 
我们希望通过这个展览，展示未来当代艺术发展的多样性和可能性，期待经济危机后的当代艺术，呈现另一番百家争鸣的景象，在健全的市场体制下绽放光彩。在此之前，我们不得不感谢我们的年轻艺术家为未来新艺术的发展，作出的大胆尝试，付出的诸多努力，让我们看到年轻一代心中的热血沸腾。

亚洲路标—丰田艺术项目

亚洲路标—丰田艺术项目

出品人：姜汝祥 邱晨枫
总策展人：夏季风
策展人：孙建春 董冰峰

项目总监：殷建军 陈竹

艺术总监：左靖
艺术家：崔洁、董文胜、费俊、韩磊、洪东禄、黄文海、蒋崇无、李晖、李青、齐佳铭、秦玉芬、史金淞、苏文祥、谭思考、王鲁炎、吴小军、王亚强、于伯公、朱金石、郑路
主办：伊比利亚当代艺术中心  北京锡恩企业管理顾问有限公司
展期：2010年1月16日至2月28日
地点：伊比利亚当代艺术中心
地址：中国北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区E06

展览简介：

2010新年伊始，伊比利亚当代艺术中心将于1月隆重推出“亚洲路标——丰田艺术项目”。这是伊比利亚携手北京锡恩企业管理顾问有限公司一次全新的尝试。

由美国次贷危机引发的席卷全球的金融危机改变着世界的秩序，全球的政治、经济、文化都会在这次动荡后重新调整秩序，形成新的格局，这对整个世界而言都是一次危机和机遇并存的变革。对于正在趋于一体化的亚洲经济和文化也正在形成强烈的影响，尤其对于迅猛发展中的中国社会，更是一次全新的挑战，或者，是一个巨大的机遇。

亚洲的经济一体化是对欧美控制市场的一种抗衡力量，虽然在正式的经济、政治制度方面不如欧洲、北美完善，但是亚洲经济的贸易、投资日益紧密，中国的高速经济增长成为其发展的原动力。整个东亚正处于“制度大转变”的过程中，虽然日本、韩国和中国各处于不同的阶段，但它们都在各自地进行着转变。从文化角度说，亚洲国家的现代化进程基本都是以欧美的现代化发展脉络作为参照的范本来演变的，海外资本的介入也必然地影响了各国的文化价值判断，即便是现代化程度较高的日本也不例外。然而，以欧美现代性批评话语构建的价值体系作为评判的标准显然不能满足日益发展的东方国家的文化诉求，亚洲各国通过模仿西方文明进程的现代化过程告一段落。越来越多的亚洲国家开始认真清理自己的国家遗产、整合新的社会结构下的社会心理，包括艺术，已经开始慢慢回归到真正地关注自身，关注亚洲人内心的原点上来。重新确认多样的亚洲文明并且进行解读，期望建立新的话语体系以对应有差异的现代性。亚洲当代艺术正面临着一个怎样摆脱西方系统的模式而确立一个新的亚洲艺术形象的困境中。

中国的经济现代性的进程和文化一样，都到了一个需要进行结构调整的阶段。和欧美社会不一样，社会个体和企业的财富积累时间都相对要短的多，也迅猛的多。财富伦理并没有能像财富积累那么快速，形成了社会财富的心理断层，中国的新贵们在迅速拥有财富的同时并没有获得社会和文化规定的责任和义务，财富缔造者——企业的管理者们常处在利益和情感、公益和私益的矛盾中。整体社会机制内财富支配通道的阻隔使不少企业很难自上而下地建构出一个有共识的企业文化和企业精神。

从两个方面看，我们都需要一个由经济和文化共同建构的良好生态，民营资本和当代艺术之间需要一个桥梁来相互促进，本土的民营资本的参与可以帮助文化建立自身良好的市场生态和艺术话语的自我书写。另一方面，文化可以帮助企业完成企业形象和企业文化的转型，建立起相对人性的管理模式和企业精神。这次“丰田艺术计划”正是基于这样愿望的一个活动，我们不妨把此次的计划当成一个可能的范本，一个为建立企业和文化之间的通道而做出的努力。

此次展出的二十位艺术家包括崔洁、董文胜、费俊、韩磊、洪东禄、黄文海、蒋崇无、李晖、李青、齐佳铭、秦玉芬、史金淞、苏文祥、谭思考、王鲁炎、吴小军、王亚强、于伯公、朱金石、郑路，将带来他们所创作的包括绘画、雕塑、影像、装置等作品。这是一次尝试，或许也会是一次突破。

一本杂志，一份报纸，题目是醒目的，最惹人眼球的应该就是头版头条。

头版头条，意味着他们所关注的，意味着他们最慎重的，意味着他们必须说的。

头版头条，带领读者的步伐，激发读者的欲望，勾起读者的幻想。

他们或许热泪盈眶，或许激昂愤慨，或许嬉笑怒骂，或许冷漠麻木。

阅读头版头条，等于对视他们的眼睛，瞳孔反射他们的焦点，透视他们的内心。

这里是一些在当代艺术圈内比较活跃和有特色杂志的本期头条，并借此感谢下各家杂志社的配合与支持。某些杂志社不仅呈现给我新刊，且一并将创刊号交付与我，要知道，有些老牌杂志的创刊号早已成为他们杂志社的藏品，在甲型H1N1病毒肆虐的时候，感谢他们不畏仓库箱底尘土细菌的侵扰，不吝大力支持我们的工作。

(全文…)

首都图书馆

圣诞将至，却被大荒发派到首图翻旧书了。

“戴着一副学究眼镜，埋头于一摞摞的尘封期刊中，空气中弥散着些许发霉的味道，挥之不去。终于，另一本创刊号惊现眼前，翻开泛黄的扉页，嘴角微微上扬，会心一笑….” 这种幻想的画面，很难在现实中得到满足。如若这些创刊号，是在此种情况下找出，成就感会更强烈，但恐怕工作效率要大打折扣。

屏幕上的综合检索条件很容易输入，有些期刊仍存在，有些期刊已消失，有些期刊曾改版，有些期刊再次改回…. 当图书管理员将一本本的创刊号用小铁车推到我面前时，图书馆的意义开始发生转变，图书馆的位置陡然提升，图书馆的形象从此变得很好很强大。

毕竟是创刊号，因此好多都未被找到。

开始研究创刊号。

历史并非久远，纸张却已泛黄，文字依旧清晰可见。没了新版杂志油墨的香气，倒多了些久违的亲切。找创刊号的过程，看到的不仅是一本期刊的历史，一本期刊的成长，更是一个时代的特定轨迹。品读，领略其时代的文化社会人文，感受其时代的严谨、谦逊，体会到的是一种态度，一种责任，一种意识，一种习惯。

艺术在不久远的年代，并未如此张扬。 (全文…)

李松松个展—抽象

李松松个展——抽象
时间：2009 年11 月28 日-2010 年1 月30 日
地点：北京市朝阳区酒仙桥路2号798艺术区 佩斯北京画廊 8502信箱
电话: +86 10 5978 9781
传真: +86 10 5978 9782
电邮: info@pacebeijing.com

http://www.pacebeijing.com

佩斯北京继张晓刚个展之后又推出才华出众的年轻艺术家李松松的个展《抽象》，
展览将从11 月28 日开始，展出李松松近年创作的十余幅油画作品。
李松松生于1973 年，毕业于中央美术学院油画系。多年来，李松松在艺术上的独特
观念和深厚功底得到了国际藏家的认同，他的作品在《麻将—希克中国当代艺术收藏
展》、《迪奥与中国艺术家》、PS1 当代艺术中心的《改变，缝合与聚集》、格罗宁根
博物馆的《新世界的秩序/中国当代装置和摄影》等展览中均受到关注，个展《催眠》
更是让人看到了这位年轻艺术家的活力与深度。李松松创作所选取的图片题材大都是取
自历史事件的老照片。他善于挖掘照片背后的事件以及对事件的分解和消除和对现实主
义主导的抽象处理和分解。
《抽象》是对李松松近年艺术探索成就的一次展示，佩斯北京希望通过对年轻艺术
家价值的发掘，探索不同的审视历史的视角，更深层地挖掘中国当代艺术，亦为有巨大
潜力的艺术家找到更为恰当的国际艺术地位和更为宽广的发展平台。

D：董梦阳

W：we-talk

采访时间：2009年12月16日 15：00

采访地点：雕刻时光咖啡店

午后的咖啡店，满是咖啡味的浓郁，几缕阳光透过深色的窗帘投射在棕色的桌子上，窗外是北京最冷的一个冬日。正是这样的情况下董梦阳如约而至，与经典北京闪光灯下西装笔挺的职业人印象完全不同的是他粉红色的裤子和手里的中南海香烟。 (全文…)

现在的媒介已经被人发现了
艺术媒体到底给艺术带来了什么
你有内容，通过渠道，可能就会转化成明天的收益
虚拟空间才是更重要的
永远的创刊号
在这个时代，实现价值的唯一途径就是传播

(全文…)

Park Heeseop _After Nature__ _Acrylic_ Gloss Varnish_ Mother o

 

展览名称：城市层状 – 其日常与现代性（群展）

开幕酒会：2009年12月12日，下午三点

展览日期：2009. 12.12 (星期六) – 2010.01.31(星期日)

开馆时间：周二至周日早十点至晚七点，周一休息。

展览地点：阿特塞帝画廊（北京）第二展示空间

地    址：北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区内E区（老工厂咖啡厅对面）

主办单位：韩国现代美术研究所

展馆分布：CAN Foundation, 阿特塞帝画廊（北京）第二展示空间

赞    助：Paradise 文化财团

参展艺术家：蔡雨昇·洪淳明·金乙·金承泽·Lee,Berre·李虎镇·李尚宣·朴喜燮·朴锺弼·辛善珠·宋俊昊·梁镇藕·尹禎旋

2010

 2010
参展艺术家：邓无书、高芳、贺洪志、萧瑟、郑宏祥、蓼萧
展期：2009.12.12—2010.1.17
地点：北京市朝阳区酒仙桥路四号798第五元素画廊
开放时间：10：30–18：30（周一休息）
Tel：(86 10) 6432 1338
Email：dong.show@yahoo.com.cn

http://www.798gallery.net

各执己见

 

“各执己见2009-2010” 
 策展人: 宋涛
主办 : O Gallery
参展艺术家： 陈宝宏、陈雄伟、方科、松迪克、潘兴磊、邱斌、王兴文、薛征、曾薇、张永红、郑浓、周韧
展览日期Date: 2009 / 12 / 26 – 2010 / 1 / 26
开幕酒会: 2009 / 12 / 26 3: 30 p.m.
地址Address: 酒仙桥路四号798艺术区751动力广场O gallery（想想再设计3F）
Tel: 010-8459 9655
Email: ogallery751@gmail.com

李明 XX 单视频录像 5'17'' 2009

X X

李明影像展

 展期：2009.11.14 – 2009.12.27

地点：北京市朝阳区草场地村319-1号 站台中国当代艺术机构  

Tel: 86 10 64320091 

Fax: 86 10 64320169 

Email:info@platformchina.org           platformchina@gmail.com 

 http://www.platformchina.org

李明1986年生于湖南，毕业于中国美术学院新媒体系，毕业后一直致力于影像与装置创作。此次展览的作品有《XX》、《不可自抑的情绪》、《犬语》、《被围困的小道》、《在别处》、《傍晚快乐》、《击打我》、《后花园》、《上坟》、《欧阳医生嗨半夜》、《消失的风》等。 我们希望通过艺术家的作品探讨在当代艺术语境中该如何定义私人化倾向的价值问题。 

艺术家作品主要从三个方面表现其主题： 一是对自身的混乱和纠结不清的情绪表达；作品《不可自抑的情绪》是艺术家对自己童年时期强迫症的回忆，但是片子并不是在对回忆进行还原，后期的剪辑反而把兴趣点转移到线性时间轴的矛盾而又成立的逻辑上，通过重新拼接打乱的素材，把真实和幻想混淆，真实发生的事情犹如梦魇般呈现在我们面前。此类主题还表现在《犬语》、《击打我》等作品中。 二是对现实生活中某时刻、某场景隐隐带来的个人体系中的“历史记忆“的剧场式表达；如作品《上坟》中，大炮等武器的响声与上坟场景中出现的行为隐性相连，将场景中正在发生的行为和场景中行为勾起的个人体系里的历史记忆拼合成一场演出，并用老电影的模式轻松调侃了宏大叙事的美学定势。另一件作品《被围困的小道》本身是一个行为的记录，但艺术家在画面中的出场方式，以及行为最后戏剧性的结尾都将一个平淡无奇的行为转换成一次似乎是刻意经营的表演，包括作品《后花园》表现了一群被弱智化的保安简单玩耍的过程，是一部不具任何意义，游离于现实之外的荒诞剧。三是围绕艺术家对身体与身体之间相互形成的气场的看法：主要体现在同性身体之间传达出的那种暧昧。如何才能使得大家的身体在一起的时候变得舒服自然。在作品《XX》中，我们可以看到两个互相对对方身体信任的男性在交换背心的场面，其中充满着暧昧与异样。艺术家关注的是除了单纯直觉的玩耍状态外还有以何种目光来捕捉才能使两个正常男性的友谊变得非正常化的方式。作品《傍晚快乐》、《在别处》都表现了艺术家对身体触碰的迷恋。其中《傍晚快乐》刻画了一群年轻男人光着身子，背上涂满了奶油，相互追逐，互相舔对方背后的奶油，以及其他一些身体上的可能性。整个过程是生猛、开心、刺激和自然的。忽略了美感和对现实的抽离，更像是一个平常的打闹，而艺术家更关心的是这种普通和寻常的事情背后应该有的不正常。

对于艺术家而言，影像从来不是直指现实，而现实中我们所观察的东西也不是真正意义上的真实，对于同一件事物，不同人都会有不同的视角，影像作品从诞生开始它就是一种由人臆造的视觉产品，艺术家对自己影像作品的影音的拼贴，篡改享有着上帝般的自由权利。艺术家肆意地在形象的世界中锻造自己的影子，荒诞而矛盾的作品会让很多人陷入逻辑的迷宫，但正是这些荒诞不羁的作品却传达着敏感个体的哀伤和疑惑。

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RADEK SZLAGA | ICONOCLASM 

RADEK SZLAGA | 偶像的破坏

开幕式: 2010年1月23日, 3pm

展期: 2010年1月23日 – 3月7日

Opening: 3pm, January 23rd, 2010

Date: January 23rd – March, 2010

Radek Szlaga 1979年出生于波兰，毕业于波兹南艺术学院。

天才般自由的运用材料，通过机智幽默的艺术语言表达了艺术家与现实和文化差异的冲撞，以及对真实和人性的探求。

5 Kino (H_25cm)2008

苏波 | 阳光塑的泥 @ HUB 空白空间北京

SU BO| THE CLAY MADE OF SUNSHINE @ HUB WHITE SPACE BEIJING

开幕式: 2010年1月23日, 3pm

展期: 2010年1月23日 – 3月7日

Opening: 3pm, January 23rd, 2010

Date: January 23rd – March, 7th 2010

1978年出生的苏波，西安美院毕业后深造于德国不莱梅艺术大学。09年曾获不莱梅银钥匙艺术大奖。

—“我做我自己明白的东西”

苏波的作品来自日常生活中的故事，他用泥塑造自己的思想。自然赋予人想象和能量释放的本能，苏波的每件作品就像一个舞台，里面穿海魂衫的形象是他本人，通过在社会当中的辛勤劳动形象给自己开拓了一个没有惯例，没有规则，没有束缚，多彩的空间。 “有时站在作品前时，感觉就像是在照镜子，作品的量不断会反馈回更多东西，这种东西叫养份”。生活中的经验，思想和社会经历都会反映在这个空间，艺术家在作品中运用简洁的技法，恰到好处的含量去尽可能贴近一种理想和纯粹的状态。它们模糊了虚构和真实之间的界线在这个空间里艺术家获得了比从前更多的愉悦。

 苏波想将故事永远的讲下去。”做艺术是一个很艰难的过程，其实最艰难的过程是对抗自我“。

别干了Ne travaillez jamais222x291mm bleed3

 

别干了

里克力·提拉瓦尼个展

策展人：吴承祖

策展助理：邱洵琳

展期：2010.1.9 – 3.28

展览地点：北京市朝阳区大山子酒仙桥路2号798艺术区 北京当代唐人艺术中心

开馆时间： 周二 – 周日 10.30 am – 6.30 pm （周一以及公众假期闭馆） 

 开幕酒会：2010年1月9日下午4点

Tel:T: +86 10 59789610

http://www.tangcontemporary.com

展览背景：

艺术家里克力·提拉瓦尼的个展《别干了！》致力于超越日常的视界，以一个局外者的角度，在一个不同的社会语境中去尝试凸显个体的主观认知和经验。 这个展览的标题《别干了！》隐含了一种历史的叙事， 同时又和展览当地的社会现状发生关系 – 体现在展览的环境构造和由此产生的心理建构的意义上。

作为里克力·提拉瓦尼在中国的第一个个展，正如它的主题所暗示的那样， 艺术家使用了一种标志性形象的语法，这种手法出现在他过去的很多作品中，包括他2002年的一个壁画作品，在2003年深圳双年展出现的一件霓虹灯标志，以及在安大略艺术学院展出的一件作于临时搭建的墙上的涂鸦作品等（艺术家本人于90年代在那里学习过）。

当下的中国已然成为了全球化资本主义的试验场，社会的关注点全然投入到经济奇迹的创造中， 这种经济奇迹支撑了这个国家的自信心，促使她日益融入到全球化的格局中去。迅猛的发展和无所不在的投机激发了大众对于财富的向往和追求， 而这种追求又体现在狂热的不知疲倦的工作中。这种对于工作的道德赞美即使在计划经济的过去也是被大力宣扬的。 而现如今繁荣昌盛的新的中国又在毫不掩饰地表现出她的人民大众对于消费主义的热烈拥抱。

相信勤劳工作和集体主义的价值，中国人民把生活的意义与物质环境和经济的条件紧密地联系在了一起。或者说， 这不单只是中国的现象， 这是整个亚洲的现象。无论如何， 世界的眼光在当下都紧紧地聚焦在了中国。

中国现象和她巨大的产出吸引了里克力·提拉瓦尼。艺术家以他的展览作为一个联接，试图使它与社会和个人产生一种联系，这种联系体现在展览空间内， 同时又超越了展览空间的范围。建造和劳动是这个展览的主题，这两个因素主导了展览的架构。一座真实的制砖机每天将在唐人空间里不停地制作建筑用的红砖， 共制作14086块。在中国，这个数量的砖正好可以来建造一个最简朴的砖房， 作为一个最基本的住家单元；同时一个真实尺寸的奔驰轿车也将被忠实地拷贝， 用一种完全不同的材料； 另外一个卖豆腐脑的小摊将在每个星期的周末两天在展览空间里提供给参观者一碗热气腾腾的美味的豆腐脑；最后，将有用鸟笼建造的高级写字楼矗立在画廊空间之中。

在本质上这不是一个一般意义上的展览， 即使最后它看起来像是一个艺术展， 但实际上它更像是一个包容的场所，在其中的每一个构造物每时每刻都在发生着变化，每一个参观者的活动都在影响着它们， 而它们反过来又在影响着观者。与他过去的作品相似， 艺术家策略性地利用了现有的环境去与之发生互动。对于里克力来说，艺术就如同一个场所，一件物体。他强调直接的体验，强调进入他的作品所要表现的地方去获得新鲜的感受。对于这个展览来说，这种体验触及到了生活的价值与意义。

基于艺术家自身对于中国社会政治和文化的体验和理解， 这个展览通过某种方式重新解释和建构了我们生活的物质世界，它特别地指向了今日的中国。它使得我们反思我们所处的日常世界，反思这样一个由多重语境和交叉时刻所构成的现实。

对于里克力·提拉瓦尼来说，这个展览就叫“别干了！”

 注释：“别干了” – “Ne Travaillez Jamais ”源自法语， 就是从不工作的意思。它原本是一个涂鸦式的口号，由著名的法国社会批评家和理论家居伊·德波尔于1953年写于巴黎塞纳街的墙上。这个口号后来也与1968年巴黎的学生运动联系在一起。 

 艺术家简历：

 原籍泰国的里克力·提拉瓦尼1961年出生于阿根廷的布宜诺斯艾利斯。在他小时候，他的家人和他回到泰国住下来，并在曼谷上了高中后，他就读了位于多伦多的安大略艺术学院、班夫中心艺术学院、芝加哥艺术学院，以及纽约的惠特尼独立研究项目。总是处于变动当中的艺术家现在将他的时间分给了纽约、柏林和清迈。

 提拉瓦尼最为人知的是在美术馆或画廊的艺术项目中邀请大众来进行社会性互动并鼓励参与，他在古根海姆美术馆、纽约现代美术馆、费城美术馆、法兰克福的Portikus艺术中心、维也纳分离派美术馆、悉尼双年展、横滨三年展以及威尼斯双年展都举办过重要的展览，这些也只是从长长的遍及世界的邀请名单以及在亚洲、欧洲和北美举行的个展中列举出的几个而已。他所获得的的一些荣誉包括Hugo Boss艺术奖（2004）以及威尼斯双年展的贝尼塞奖（2003）、Lucelia艺术家奖（2003）、Central Kunst奖（1996）以及美国国家艺术基金会视觉艺术家奖学金。

 在过去二十年间，虽然做饭和准备食物在他的艺术表达中仍然是一种带有强烈个人色彩的专长，近期艺术家实际上在他的展览中并没有太多的烹饪，一个视觉艺术领域之外的人可能没有意识到的事实。他倾向于和不同的艺术家在同时的项目中合作，并且创造了一系列不同的供人参与的结构，在这种方式中，观者的行动组成了作品本身。换句话说，里克力的作品严格来说并不属于他；它们并不是任何人可以拥有的物体。用他自己的话说，艺术家希望“减掉事物的现象，放弃物质性，要集中于事物的精神”。

 从2000年以来，提拉瓦尼和艺术家卡明·勒查普拉瑟共同致力于“土地”项目，一个坐落于泰国北部清迈的持续的以及自我维系的项目，在那儿艺术家、农民、学生、以及任何对此感兴趣的个人可以在稻田、菜地、水牛以及周围环境间进行各种日常活动，其价值被看作是和其它东西一样的价值。

 很多时候，作为一个脚步遍布全球、不断旅行以及适应不同语言和风俗习惯的艺术家，这些都要求他在不同文化和进行他的互动之间协商。这种潜在的跨文化之旅允许这种流动型艺术家来创造一种“生活进程”以此来延展开艺术与生活、存在与对话的空间、艺术家与观者、日常关系与可能性。 更重要的是，支持观念与信息的交汇。这是直到今天以及以后在他的项目中他所一直拥护的。

 他最近的项目包括在威尼斯双年展上设计一个书店，继续为一个记录他以及同时代艺术家的纪录片工作，以及与在迈阿密的音乐家阿尔托·林赛的协作表演。

此雕塑作品是尤伦斯当代艺术中心生产推出的隋建国的著名作品—“掷铁饼者”的限量版本。该作品尺寸为70 x 40 x 45 cm，售价38000人民币，为纯手工细瓷制造，并在世界闻名的景德镇制作，表面着中国传统青釉。

隋建国最著名的雕塑，是身着中山装的巨型人物雕塑，并用这些雕塑模仿古今中外的各种著名形象。这件“掷铁饼者”也是如此，其灵感来源于古希腊青铜雕塑铁饼运动员。在模仿了一个西方模特后，艺术家给其穿上了毛时期的中山装，为这座雕塑注入了独特的中国元素。

然而最具讽刺意味的，是这种“中西结合”所产生的不伦不类、令人啼笑皆非的改造形象，其目的在于批判一些缺乏原创性的中国当代雕塑家盲目跟随并效仿西方雕塑的现象。

冬季的寒冷，使人容易变得慵懒，中央美院的校园也变得格外冷清。12月10日，一场研讨会打破了这种宁静，学者云集的美术馆报告厅散射出智慧和激情的火花。一位来自荷兰的艺术哲学家，在中央美术学院的大讲台上，激情澎湃的与大家分享着自己对新媒体艺术的哲学思考与观点。

约斯•穆尔是国际美学协会的主席，本以为会是位老者，却只见一个穿着短袖T恤的、看似年轻小伙的人矫健的迈上讲台。穆尔是全场唯一在这个寒冷冬季穿短袖的人，并凸现着他的健壮体型，或许是他迫不及待与大家分享自己的观点而如此的火热。

整场研讨会分为两部分，第一部分是穆尔教授的个人演讲，第二部分是穆尔教授与几位中国学者之间的对话。虽说演讲题目是“新媒体的艺术哲学”，却始终围绕“Aura”一词展开探讨，Aura成为了整场论坛核心的关键词。

新媒体是近年随着技术的进步，被发现和定义的一个新领域。当代艺术作为前卫的代名词，和新媒体的联姻更是令人关注。时下，新媒体艺术备受关注，新媒体艺术家成为焦点，新媒体艺术也成为学术界研究的新课题。对于新媒体艺术的哲学思考，自然引来众多学者、学生的追捧。中央美术学院的报告厅，说大不大，说小也不小，却挤得部分人要到二楼坐听。提前半小时进场，前几排的好位置已几近占满，。美院的讲座，通常不会大肆宣扬，最多只是发布在学院的网站上，却未能阻挡闻讯前来的众多拥护者。

“新媒体的艺术哲学”这一课题，跨度颇大，不仅限于某学科专业的学生观听，学摄影的、学理论的、还是纯艺术的、甚至设计类的学生都将受益匪浅。穆尔教授轻装上阵，既没有论文，也没有演讲稿，他的演讲更像是一场脱口秀表演，他用其独特的语言及肢体生动的展现着“新媒体的艺术哲学”。并在演讲开始时毫不避讳的为自己做了个简短的广告，宣传了自己即将出版的新书。虽然有一层语言的隔膜，透过他略带口音却反应敏捷的英语讲演和在大量专业术语前频频受阻的美女翻译，亦丝毫没有影响全场的交流互动。

穆尔教授首先以Walter Benjamin的理论，引出自己的观点。Walter Benjamin是20世纪伟大的哲学家，他在机械复制时代的艺术理论中，提出Aura一词，并成为理论的核心。围绕Aura，Walter Benjamin提出两种价值，早期的艺术被称为膜拜价值，由其艺术形式及艺术目的所决定，这时期的艺术是独一无二的，在时空中不可复制，因此仿佛具有Aura（光晕），是神圣的；而机械复制时代的艺术，具有展示价值。这时期随着科技的发展，复制拷贝已经被普及，艺术从此失去了独一无二性， Aura随之消失；对于当代，穆尔教授延续Walter Benjamin的思想，提出了数码时代艺术的新价值，即操作价值，每个人都可以创作自己独一无二的艺术，Aura也因此回归了。

Walter Benjamin的美学理论，不仅从艺术角度探讨，政治、经济、宗教等各个领域均有涉足。穆尔教授极力推崇Walter Benjamin的这种治学态度，事实上这也正是我们应该学习的——没有一门学科是独立存在的。穆尔教授以三位美国总统为例，论述了新媒体不仅对艺术起到关键的作用，在政治中同样有所体现。三位总统所处的历史背景各异，因此使用的政治手段有所不同。里根总统的政治手段，恰好符合机械复制时代的展示价值，他懂得在镜头面前展示自己，镜头成为他成功的关键。布什总统则开创一种新的投票方式，是第一位懂得用新媒体来创造价值的人。奥巴马总统运用无处不在的新媒体技术向选民广泛传播自己的信息，对他的竞选成功起到了至关重要的作用。不管是艺术的政治还是政治的艺术，在此都充分发挥了对“复制品”的操作价值。
穆尔教授最后的两组幻灯片是演讲中最为精彩的地方，他通过杰克•穆尔艺术作品的幻灯片，形象的阐释了自己的观点。杰克•穆尔是著名的新媒体艺术家，他运用当今先进的数码技术进行他的艺术创作。2007年，杰克•穆尔制作了一个交互式装置作品。在作品中，他借助了一个庞大的数据库，即8万幅来自于博物馆数字化档案的照片、四个关键索引词（who、what、when、where）按钮，由观众任意选择索引词按钮，来创建新的数据库。每个观众选择不同的按钮，都会随机产生不同的画面，好似策划一场新的展览。在这个过程中，每个观众都可以充当博物馆馆长或策展人的角色。

穆尔教授还介绍了网站www.megamonalisa.com，这个网站提供了一个平台，任何一个来到这个网站的人，都可以创作自己的蒙娜丽莎。另一幅作品叫做“每日匹配”， 它是由一台巨大的计算机随机抽取卫星搜索的频道，搜索到的图片相互对比，选出最相似的几十组图像。图片比对的特点很多，例如色彩的比对度，构图的比对度。很有意思的是，计算机并不了解人类所发生的事情，它只是机械的进行比较，因此最后产生的作品是相当幽默的。目前，这幅作品置于某所大学的食堂内，每天都在产生不同的图像。穆尔教授的这两组幻灯片，生动的阐释了他的观点，并开阔了在场观众的视野。而他理性并富有激情的演讲，也同时为他自己的头顶罩上了一个Aura。

研讨会的第二部分，是中国的新媒体艺术家代表与穆尔教授的对话环节。历来这一环节，都是研讨会的精彩部分。中央美术学院的费俊首先对穆尔教授提出了第一个问题，即类似交互式装置这种艺术作品，Aura是由艺术家创造的还是观众？针对如此关键性的问题，穆尔教授认为，艺术家仍然是艺术作品的灵魂。在以前，艺术家绘制作品展现在观众面前，但现在，他们通过组成一个框架，一种概念，从某种程度讲，这是一种更高的创作程度，因此艺术家与艺术作品是永不分离的关系。马刚提出了第二个关键性问题，即Aura是什么？穆尔教授认为Aura既是作品本身具有的，也是观众所赋予的评价。Aura，我们可以通过物理的媒介获得，而艺术品的历史价值，同样可以成为独一无二性。针对新媒体艺术家张晓涛提出的，“艺术的这种批量生产，这种复制，算是商业生产还是观念艺术？”穆尔教授的回答是“艺术先锋运动，他们的目的是为了一种生活，为了大众，建立一种更美好的生活模式，像包豪斯做的这些艺术品，都是为了让广大的群众有更好的选择。所以从这个角度来说，这种叫大生产。”

在台上辩论激烈时，台下一位学者提出了自己的看法。在计算机未出现之前，中国人写日记、写信都是用笔写，字里行间会不自觉的流露出爱恨情仇。而现如今，大众早已习惯用计算机来完成各式文章，恐怕对文字造成了一定的遗失。虚拟博物馆的存在，对现实博物馆造成一种阻挠，方便大众的同时，也“鼓励”了大众懒于到物理空间博物馆欣赏原作的心态。而面对这种悖论问题，穆尔教授理性冷静的一一做了解答。“对于个体而言，使用什么样的媒介，我们是拥有这个选择的权力的，但如何做这个选择，是困难的。”“关于数字化博物馆，我的观点是物理空间和虚拟空间，事实上是越来越难解难分的，数字化博物馆，实际上是提供一个很好的平台，让观众既可以看到真实的作品，又能通过更方便快捷的方式去欣赏，困难的是对于观众而言，如何去找这个平衡点。”

新媒体艺术家王泊乔和蔡萌虽没对穆尔教授提出具体的问题，但也阐述了自己对Aura、新媒体及数码时代的艺术的不同见解。Aura本身就不是一个固定的词汇，它所包含的意义广泛、抽象，因此各人的思维必定造成不同的理解。但新媒体已经植入艺术却是事实所在，相信这场研讨会定能带给各艺术家更新更广的遐想和灵感。而穆尔教授的思考方式、表达方式及理念也会使在场的各位学者获益颇多，他的健硕体魄同样会激起艺术家及学者锻炼身体的意念吧。

ps:
与开场前的人满为患相比，研讨会进行到对话环节时，场内却空出一半座位，而台下学者提出悖论后，环顾四周，听众已经寥寥无几。从中国的传统礼仪角度思考，对方说话时，应直视对方的双目，如若不然，亦不适宜话到一半时，擅自退离。而从教学角度思考，究竟是学生们思维太过狭隘，不懂珍惜与大师对话的良机，还是学院气息浓重的中央美院不适宜举办此类跨媒介的先锋讲座？

来自画廊仓库的东西2

展览时间：12月19日～2月27日（下午1点～6点）
展览地点：上海莫干山路50号18号楼 香格纳画廊H空间
开幕式：2009年12月19日（周六） 下午16:00-18:00
Email:helen@shanghartgallery.com
http:www.shanghartgallery.com 

延续前一次展开的“画廊仓库”系列展览，香格纳画廊向您隆重推介“来自画廊仓库的东西2”。

像前次的展品一样，此次展出的作品都被储藏在香格纳画廊的仓库里。这些年来，香格纳画廊不懈地为诸多优秀的艺术家提创造平台，这当然也包括了为艺术家提供储藏空间的后方仓库。如今，画廊的仓库已存有大量并不太为观众熟悉的作品——即使它们都曾在过去的某次展览中出现。

在这次展览中，我们将展出来自胡介鸣、邵一和杨振中的作品。其中胡介鸣的大型装置作品“1999-2000传奇”（1999），这件作品在1999年为旧金山现代美术馆度身定做，后来从未在国内展出。作品营造了一个量化了的信息世界，作者将1999年12月31日～2000年1月1日一天内在中国通过多种媒体（包括卫星电视和互联网）收到的信息制成菲林，并像使用建筑材料那样使这些菲林形成一个个新的小空间。这件作品审慎地戏弄了“信息缩小了世界”这个时髦观点，如何身处信息洪流之中仍保留住独立思考是一个问题。

邵一的作品“有线广播”（2008）收集了59个老式的农村有线广播，改造了其中的电路板，让广播同时发出声音，声音的内容大多是一些私密性的交谈，并伴有间歇性的肃静。杨振中著名的《按摩椅：后来爱迪生的直流电输给了交流电》（2003）仍将继续它们的声响，呼呼声和有节奏的敲打声恐怖地回响在它们所占领的空间之中，似乎正回应着人们在按摩时得到快感而发出的喊叫声。

有意思的是，来自奥地利的艺术家Elisabeth Grübl将在开幕当日将展示她一件特别的作品：将周铁海的工作室进行打包，开放时间为19日下午4点-6点。

张远个展

开幕酒会 2009年12月19日 星期六下午4-6点

展览时间 2009年12月19日 – 2010年2月7日

展览地址 北京市朝阳区大山子酒仙桥路2号798艺术区A区797东街 安妮画廊

联系电话 86-10-8456 7783
Email:anniart@sina.com

http://www.anniart.com

http://blog.sina.com.cn/anniart

Dust: Zhang Yuan
Opening Saturday 4pm-6pm 19th December 2009
Duration 19 December 2009 – 7 February 2010
Venue ANNIART
798 Art District,797 East Street,2 Jiuxianqiao Road
Chaoyang District Beijing China 100015 P.O.Box 8502Telephone 86-10-8456 7783
anniart@sina.com
For more information:
www.anniart.com

http://blog.sina.com.cn/anniart

摘录自：<复杂的思绪Karen Smith>

 张远的作品传达的就是对图像并置的欣赏。混合的视觉比喻所表达的讽刺意味或是从不可能的接近中表达出来的洞察力。这种“接近”在现实世界中是不可能的，但是在绘画空间中“任何”事情都有可能。张远的风格是象征性艺术并具有模糊现实主义的特点，自然地暗示着所有独立元素都是宏大叙事的一部分 ，无论姿势或行动多么的破碎或复杂。

 他的画是高度理性的。所有的东西都充斥在有效的小“屏幕”中——都是小尺寸，大多是长方形构图，内容被独立“封闭在”随意样式的画布上——每件都在报道着一些时事新闻或是从讲故事的角度瞥见的场景：观看者被置于黑暗中猜想着这讲的是些什么故事呢？这些独立的“屏幕”突出了部分的非凡力量。因此，这是更简单，更不密集的组合，很有效果和力量：越少的片段，越强烈的“现在感”或“事件感”，是很有密度的绘画，屏幕这种方式模糊了整体的存在。

 张远技法的功力，点和线的结合，丰富的点和对颜料或是铅笔的自如运用展示了艺术家高水准的说服力。尽管他的画作中存在视觉的悖论——在一幅作品中结合许多样式的东西，但人们可以从他的作品中清晰的感受到他的“意图”。如果理智的来看，他的作品好像具有和密码一样的功能。每个叙事都充满了线索，从来不直接表达，充满了冲突。有种力量吸引着观看者一幅一幅的看，大脑在不停的接受新的信息，生怕漏掉某些重要信息，又好像是在变戏法，天空中变出许多的球：脑袋里想着不能漏过任何东西，不然会毁坏作品的完整性。

 男人手举火炬的那个系列是在2008年前9个月中完成的。火炬立刻让人联想起了奥运圣火，这圣火在世界传递时饱受争议，象征着中国的团结与自身的防御。但是张远想传达的是什么呢？是代表着人民？代表了他们的日常生活？或是代表了中国在面对新的国际关系？特别是那些北京以外的居民在享受了强烈的民族自豪感后并没有看到任何直接的社会经济利益。虽然此时此刻还很难判断这些利益的：“速度”和“范围”。中国真正的改变是发生在现实背后的，而且速度不快，所有这些问题都和主题紧密相关，特别是站在高处举火炬的那个人所传达出的观点和周围的氛围：异化和无用感好像伴随着他。火炬这个图像反复的出现，比如说在“亮甲店－不知道的秘密之一”，“亮甲店－不知道的秘密之二”和“宝石2”之中，张远所塑造的人物越来越有力度，紧迫，无意义。人们很直观的接受了这组作品所传达的信息。如果没有黑暗，恐惧，模糊，陌生和隐藏在表面后面的焦虑，我们会感到很舒服。这些画和大卫林奇的电影有些相似之处——任何事情都和表面所呈现的不一样。观看者从来不确定是否他们要去往深处去探究。他们知道会被那些深层的信息所影响。

 地方风景，被认为是张远的风格。那些景色不是来自城市而是来自乡村，也不是满幅习以为常的山景，茂密的树林，悬崖之间的裂缝；石板路和黑暗象征着现代生活。火焰只能在海湾边有限的距离内短暂停留。在“亮甲店——穿天猴”和“被击毙的汽车”这两幅画中，汽车处在一种黑暗氛围中。这些汽车已经被淘汰了吗？我们是否错过了事件的发生？是否汽车里面还有一些我们看不到的秘密？一旦我们觉察到了后者，就暴露了自己的弱点，我们变成为了故事的“窥阴癖患者”。这些画的风格让我们想到了里希特画中那遍布的微妙感， 照片般的写实主义, 笼罩的静寂和后现代对“静寂生活”元素的无指向性。“亮甲店——穿天猴和“被击毙的汽车”这两幅画就是后现代主义非叙事性很好的例子。

 这种敏感在“陌生人”和“亮甲店”系列里得到了进一步的表现 。画面中充满了活力，自信和明确的意图，使人印象深刻，因为她们的内容都传达着对当代社会，个人和群体的不安感：这种焦虑不安是很难摆脱的。张远解释说，亮甲店是“修理和清理盔甲的地方”，另外一个层次的意思是“展现武装力量的地方”。今天，亮甲店是一个垃圾场，而且离水库很

近。水库的水被污染，这附近的人们饮用的就是带有有毒物质的水。这件事情对于“无名船运公司”这个系列很重要——特别是那件小的雕塑作品——那艘运货的船好像是在运输全世

界的垃圾⋯⋯垃圾通过海运最终又被注入进了离你很进的垃圾倾倒场，如此循环往复⋯⋯任何事情都没有解决，只不过是大家的心理安慰罢了。“亮甲店”是对环境忽视和环境破坏问题的比喻——个人对改变所做的努力和无能为力。他说“大众总是被利用的”。实际上，“亮甲店”作为潜台词很好的说明了他最近创作作品的正确性：人们没有必要了解作品的背景和艺术家对于主题的想法，只是去欣赏，享受作品即可。在“虚构的传奇”中，张远所要实现的就是把主题延伸到一个更广义的社会情境下，使之一般化、普遍化：简单而直接。 

另一组重要的作品是开头以“无名”命名的一系列作品。主要刻画船这个图像。有时被描绘成普通的大船，有时被描绘成漂浮着的军用的机械。雅致的形式结合了庄严和诡计，像是现代社会的核能铁达尼。“无名”系列呈现了张远艺术的长处和短处。长处就是“自作主张”的组合，结构的精确，用线的肯定，还有作品所带来的动感和能量，短处是形式的重复，他不是总尝试新的东西而是习惯于以往的东西。在“无名船运公司”系列画作之中放置的雕塑采用了新的尝试，整个雕塑整洁，紧凑，强烈有力量。

 另一个雕塑：“美丽的蛋糕以及温柔的明天”和“无名船运公司”尺寸差不多，但是另一种风格——有关风景和空间（石头，山和植物）。这个作品讲述了人类在当代生活中异化的突然性和直接性，个人和集体在疯狂的当代世界中的异化。从雕塑中陷入水泥的小人服装来看，很像是当今时代的男性。他的表情和姿态是暗示着——双膝被困在石灰中。有句成语是人靠衣装，可在这个作品中显然相反，我们并没有被衣服所愚弄。这种情感在他很多作品中都有体现——特别是绘画作品——很大胆的在“中国式侠客岛”这幅作品上有所表现。画面中看起来像中国古代人物，穿着道家的袍子，被发射到一个我们认为是空气的空间，没有人推他，而是他疯狂的思想。所有那些被压抑的能量或是挫败感都与之有关。

此次展览中有一系列油画和纸本绘画的小幅作品，有的用水彩，油画颜料，有的用铅笔和墨。也许小画的成功在于它的尺寸：笔画，点，材质在超过双臂范围内的画布上是很难控制的。他的小幅作品没有超过30－40厘米的，是很合适打草稿的尺寸，而且张远画插画时也很习惯这么大的尺寸。无论采用什么样的媒介，作品都表现的很到位。

从油画，素描到装置雕塑，我们可以很清晰的看到艺术家实现了很显著的飞跃。新的油画作品，一些小雕塑和装置作品很具代表性的回应了以前作品所关心的问题。在这些新作品中，张远的态度很清晰，明确，有权威性。他想说的几乎没有疑虑，这并不是说没有新的问题提出：在当今艺术界，每件“新”作品中似乎都蕴涵着一些以往见过的东西，这是时常发生。比如彼德•多依格 受格哈特•里希特的影响，张远的这辈人之间的绘画风格也会有近似的，但在艺术史的众多例子中，人们不太在意这些，而是很享受的去欣赏张远是如何处理这些问题。