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冬季的寒冷，使人容易变得慵懒，中央美院的校园也变得格外冷清。12月10日，一场研讨会打破了这种宁静，学者云集的美术馆报告厅散射出智慧和激情的火花。一位来自荷兰的艺术哲学家，在中央美术学院的大讲台上，激情澎湃的与大家分享着自己对新媒体艺术的哲学思考与观点。

约斯•穆尔是国际美学协会的主席，本以为会是位老者，却只见一个穿着短袖T恤的、看似年轻小伙的人矫健的迈上讲台。穆尔是全场唯一在这个寒冷冬季穿短袖的人，并凸现着他的健壮体型，或许是他迫不及待与大家分享自己的观点而如此的火热。

整场研讨会分为两部分，第一部分是穆尔教授的个人演讲，第二部分是穆尔教授与几位中国学者之间的对话。虽说演讲题目是“新媒体的艺术哲学”，却始终围绕“Aura”一词展开探讨，Aura成为了整场论坛核心的关键词。

新媒体是近年随着技术的进步，被发现和定义的一个新领域。当代艺术作为前卫的代名词，和新媒体的联姻更是令人关注。时下，新媒体艺术备受关注，新媒体艺术家成为焦点，新媒体艺术也成为学术界研究的新课题。对于新媒体艺术的哲学思考，自然引来众多学者、学生的追捧。中央美术学院的报告厅，说大不大，说小也不小，却挤得部分人要到二楼坐听。提前半小时进场，前几排的好位置已几近占满，。美院的讲座，通常不会大肆宣扬，最多只是发布在学院的网站上，却未能阻挡闻讯前来的众多拥护者。

“新媒体的艺术哲学”这一课题，跨度颇大，不仅限于某学科专业的学生观听，学摄影的、学理论的、还是纯艺术的、甚至设计类的学生都将受益匪浅。穆尔教授轻装上阵，既没有论文，也没有演讲稿，他的演讲更像是一场脱口秀表演，他用其独特的语言及肢体生动的展现着“新媒体的艺术哲学”。并在演讲开始时毫不避讳的为自己做了个简短的广告，宣传了自己即将出版的新书。虽然有一层语言的隔膜，透过他略带口音却反应敏捷的英语讲演和在大量专业术语前频频受阻的美女翻译，亦丝毫没有影响全场的交流互动。

穆尔教授首先以Walter Benjamin的理论，引出自己的观点。Walter Benjamin是20世纪伟大的哲学家，他在机械复制时代的艺术理论中，提出Aura一词，并成为理论的核心。围绕Aura，Walter Benjamin提出两种价值，早期的艺术被称为膜拜价值，由其艺术形式及艺术目的所决定，这时期的艺术是独一无二的，在时空中不可复制，因此仿佛具有Aura（光晕），是神圣的；而机械复制时代的艺术，具有展示价值。这时期随着科技的发展，复制拷贝已经被普及，艺术从此失去了独一无二性， Aura随之消失；对于当代，穆尔教授延续Walter Benjamin的思想，提出了数码时代艺术的新价值，即操作价值，每个人都可以创作自己独一无二的艺术，Aura也因此回归了。

Walter Benjamin的美学理论，不仅从艺术角度探讨，政治、经济、宗教等各个领域均有涉足。穆尔教授极力推崇Walter Benjamin的这种治学态度，事实上这也正是我们应该学习的——没有一门学科是独立存在的。穆尔教授以三位美国总统为例，论述了新媒体不仅对艺术起到关键的作用，在政治中同样有所体现。三位总统所处的历史背景各异，因此使用的政治手段有所不同。里根总统的政治手段，恰好符合机械复制时代的展示价值，他懂得在镜头面前展示自己，镜头成为他成功的关键。布什总统则开创一种新的投票方式，是第一位懂得用新媒体来创造价值的人。奥巴马总统运用无处不在的新媒体技术向选民广泛传播自己的信息，对他的竞选成功起到了至关重要的作用。不管是艺术的政治还是政治的艺术，在此都充分发挥了对“复制品”的操作价值。
穆尔教授最后的两组幻灯片是演讲中最为精彩的地方，他通过杰克•穆尔艺术作品的幻灯片，形象的阐释了自己的观点。杰克•穆尔是著名的新媒体艺术家，他运用当今先进的数码技术进行他的艺术创作。2007年，杰克•穆尔制作了一个交互式装置作品。在作品中，他借助了一个庞大的数据库，即8万幅来自于博物馆数字化档案的照片、四个关键索引词（who、what、when、where）按钮，由观众任意选择索引词按钮，来创建新的数据库。每个观众选择不同的按钮，都会随机产生不同的画面，好似策划一场新的展览。在这个过程中，每个观众都可以充当博物馆馆长或策展人的角色。

穆尔教授还介绍了网站www.megamonalisa.com，这个网站提供了一个平台，任何一个来到这个网站的人，都可以创作自己的蒙娜丽莎。另一幅作品叫做“每日匹配”， 它是由一台巨大的计算机随机抽取卫星搜索的频道，搜索到的图片相互对比，选出最相似的几十组图像。图片比对的特点很多，例如色彩的比对度，构图的比对度。很有意思的是，计算机并不了解人类所发生的事情，它只是机械的进行比较，因此最后产生的作品是相当幽默的。目前，这幅作品置于某所大学的食堂内，每天都在产生不同的图像。穆尔教授的这两组幻灯片，生动的阐释了他的观点，并开阔了在场观众的视野。而他理性并富有激情的演讲，也同时为他自己的头顶罩上了一个Aura。

研讨会的第二部分，是中国的新媒体艺术家代表与穆尔教授的对话环节。历来这一环节，都是研讨会的精彩部分。中央美术学院的费俊首先对穆尔教授提出了第一个问题，即类似交互式装置这种艺术作品，Aura是由艺术家创造的还是观众？针对如此关键性的问题，穆尔教授认为，艺术家仍然是艺术作品的灵魂。在以前，艺术家绘制作品展现在观众面前，但现在，他们通过组成一个框架，一种概念，从某种程度讲，这是一种更高的创作程度，因此艺术家与艺术作品是永不分离的关系。马刚提出了第二个关键性问题，即Aura是什么？穆尔教授认为Aura既是作品本身具有的，也是观众所赋予的评价。Aura，我们可以通过物理的媒介获得，而艺术品的历史价值，同样可以成为独一无二性。针对新媒体艺术家张晓涛提出的，“艺术的这种批量生产，这种复制，算是商业生产还是观念艺术？”穆尔教授的回答是“艺术先锋运动，他们的目的是为了一种生活，为了大众，建立一种更美好的生活模式，像包豪斯做的这些艺术品，都是为了让广大的群众有更好的选择。所以从这个角度来说，这种叫大生产。”

在台上辩论激烈时，台下一位学者提出了自己的看法。在计算机未出现之前，中国人写日记、写信都是用笔写，字里行间会不自觉的流露出爱恨情仇。而现如今，大众早已习惯用计算机来完成各式文章，恐怕对文字造成了一定的遗失。虚拟博物馆的存在，对现实博物馆造成一种阻挠，方便大众的同时，也“鼓励”了大众懒于到物理空间博物馆欣赏原作的心态。而面对这种悖论问题，穆尔教授理性冷静的一一做了解答。“对于个体而言，使用什么样的媒介，我们是拥有这个选择的权力的，但如何做这个选择，是困难的。”“关于数字化博物馆，我的观点是物理空间和虚拟空间，事实上是越来越难解难分的，数字化博物馆，实际上是提供一个很好的平台，让观众既可以看到真实的作品，又能通过更方便快捷的方式去欣赏，困难的是对于观众而言，如何去找这个平衡点。”

新媒体艺术家王泊乔和蔡萌虽没对穆尔教授提出具体的问题，但也阐述了自己对Aura、新媒体及数码时代的艺术的不同见解。Aura本身就不是一个固定的词汇，它所包含的意义广泛、抽象，因此各人的思维必定造成不同的理解。但新媒体已经植入艺术却是事实所在，相信这场研讨会定能带给各艺术家更新更广的遐想和灵感。而穆尔教授的思考方式、表达方式及理念也会使在场的各位学者获益颇多，他的健硕体魄同样会激起艺术家及学者锻炼身体的意念吧。

ps:
与开场前的人满为患相比，研讨会进行到对话环节时，场内却空出一半座位，而台下学者提出悖论后，环顾四周，听众已经寥寥无几。从中国的传统礼仪角度思考，对方说话时，应直视对方的双目，如若不然，亦不适宜话到一半时，擅自退离。而从教学角度思考，究竟是学生们思维太过狭隘，不懂珍惜与大师对话的良机，还是学院气息浓重的中央美院不适宜举办此类跨媒介的先锋讲座？

新媒体艺术的哲学思考

时间：2009年12月10日14：00
地点：中央美术学院美术馆国际会议厅
主持人：王璜生、王春辰
对话人员：约斯•穆尔、彭锋、马刚、缪晓春、费俊、张晓涛、王泊乔、蔡萌、吴玮禾
1.穆尔作为主宾讲演新媒体的哲学思考（约一小时）
2.中国学者与他对话：问题与回应
约斯•穆尔（Jos de Mul）是荷兰鹿特丹艾拉斯穆斯大学哲学系人类与文化哲学教授，现担任国际美学协会主席，主要研究领域为美学、艺术哲学、新媒介与信息交流技术哲学、19 世纪德国哲学、历史哲学；著作有《悲剧的限度：狄尔泰的生命解释学》、《赛博空间的奥德赛：走向虚拟本体论与人类学》（广西大学出版社已出中文译本）、《（后）现代艺术与哲学中的浪漫之欲》（武汉大学出版社拟出中文译本）。

讲座及论坛录音纪录如下: (全文…)

奢华、典雅、高贵是艺术北京·经典艺术博览会给人的初次印象，正如北大教授朱青生在他的演讲中所说，“这个博览会是给富人看的，我们的学生想来学习都望而却步”。红地毯通道、奔驰汽车、爱马仕展厅无不透着一股贵族气，更有甚的是门口的安检设施。或许经典应该与高雅奢华相联系，但艺术的经典只存在于艺术作品本身，本不该影响观者的身份贵贱。艺术北京·经典艺术博览会论坛，与整个博览会同出一辙，走高雅路线，以vip身份，坐在奔驰贵宾房的黑色纯皮沙发上听演讲，如此舒服的学习交流环境，有点受宠若惊，似乎与贫穷做学问背道而驰。不知道如此高贵的博览会，是否会影响艺术作品销售的价格呢。

既然是论坛，顾名思义是以讨论交流为主，或许是听众比较少，或许是听众都是vip会员，即业内的实践性人才，论坛的互动交流环节，较之其他论坛要活跃，更切入市场与实践，无论是听者还是讨论者都受益匪浅。

论坛始终围绕“经典艺术”的收藏与市场行情来研讨，因此对经典艺术做深入的了解是必然的。所谓经典艺术，可以是已故大师的艺术作品，可以是对一个时代产生影响的作品，也可以是一个流派的代表作品，无论怎样，它一定会是在艺术史上有一定地位的作品，对当时代的艺术有研究价值的作品。因此，收藏经典艺术作品，是有价值的，稳妥的。随着中国艺术市场的成熟，收藏经典艺术也逐渐受到关注。收藏经典艺术作品与以往的收藏艺术作品不同，具有一定的历史时代意义。它对收藏者的要求不仅限于金钱方面，对收藏者的知识面，对艺术史的认识程度也要求颇高。可以说，一位成功的经典艺术收藏家，可能同时具备两种不同的身份，即收藏家与艺术史学家，并同时提升了收藏家的学术地位。

面对当下，高新科技时代的到来，新媒体、影像等新兴艺术不断发展壮大，成为引导这个时代艺术的领头羊。似乎多元化艺术已逐步被人认可，紧跟着的当代艺术、行为艺术等先锋艺术，像主心骨般支撑着整个艺术市场的兴衰。原本经典艺术已很少被人提起，甚至几近忘却。而全球性的金融危机下，经典艺术以其坚韧不拔的精神，冲破了这场暴风雨的洗礼，开始受到艺术家和收藏家的青睐与关注。当一个社会、一个时代发展到一定时期时，定会回头看看从前的历史、取其精华、去其糟粕。经典艺术在此时代充当了这个角色，回顾艺术史，品味经典艺术。

经典艺术在当代，算是个有争议的艺术形式。“经典艺术”这个词，看似很专属，却囊括很多。通常意义上的经典艺术，指的是从西方经典大师作品到19世纪欧洲艺术到印象派和战后艺术，再到中国的古代书画和近现代书画。在如今的艺术市场上，或是商业群体中，大家谈的最多的是当代艺术、新媒体等，中国人的从众习惯使得此两种艺术形式成为这个社会的主流艺术。而小部分群体，开始关注经典艺术，他们尝试着理解经典艺术，投资经典艺术，在荆棘中摸索着前进。艺术北京的此次活动，以经典艺术为主题，可以说是给他们指引了方向，并打开了经典艺术的大门，让更多的人去关注，去认知。提高民族的文化使命感和经典意识，将传统文化发扬光大。

论坛上，艺术史学家的理论知识，与收藏家和艺术机构负责人的市场经验，相互融合，互补优劣，不仅搭建了艺术史学家、收藏家、艺术机构负责人交流的平台，更从中系统的整合了经典艺术的理论体系，使经典艺术更趋专业化、学术化。

此次论坛，围绕经典艺术，从艺术史学的阶段划分，到艺术市场的收藏等各个方面，研讨当代艺术市场中的经典艺术。论坛形式自由，多样化，增添了学术论坛的活跃氛围。首场的赵力，以艺术史的形式，为听众梳理了20世纪中国油画的各个流派与名家，第二场的哈格曼画廊的哈格曼（Jan Hagemann）先生与清华美院的张敢教授，以“西方经典油画的收藏”为主题，展开了讨论，并从中西双方的不同角度，阐释经典艺术的收藏与投资。

哈格曼先生是专门收藏经典艺术的专家，因此，引来下面观众的多次提问。哈格曼先生的画廊是家族企业，早在40年前，他的父亲即已收藏经典油画，并熏陶着哈格曼，热爱艺术并逐渐接触了解艺术。两年时间，哈格曼在中国已经拥有两个画廊，并不断壮大。他认为，在中国销售西方经典油画，需要有一定的耐心和钻研精神，必须读透中国的艺术市场，才能“对症下药”，深入了解中国的艺术市场，才能懂得买家所关注的艺术品。哈格曼先生针对西方经典艺术画廊的市场做了分支，第一个分支，是在500年前-200年前之间，主要是指大师的艺术；另一个是在19世纪——20世纪之间，而19世纪又有两个小的分支，一个是经典艺术，一个是印象派，占有份额最大的就是19世纪经典艺术，因为它在价格上让人们能够接受，印象派这部分份额比较小，因其价格比较高。

针对赵力提出的关于伦勃朗协会的问题，哈格曼先生做了详细的回答，伦勃朗协会的全称是伦勃朗调查协会，由三个伦勃朗专家组成。伦勃朗有个很重要的特点是他有很多学生，有些作品是他大致勾勒后，由学生所做。所以要不仅注意是否是伦勃朗的作品，还要注意是否是他百分之百的心血。19世纪60年代，调查显示，大概有800多幅伦勃朗的真迹。直至今日，最近的数据显示，伦勃朗的真迹仅有350幅。

哈格曼先生以其多年的经验，向听众解答经典艺术在艺术市场中所遇到的实际问题。而张敢教授，则是以其学术理论知识，向听众讲解经典艺术在艺术市场中所占据的地位。

在中国的早年时间里，西方艺术收藏算是空白，只有中国美术馆有一部分作品，是德国的路德维希捐赠的西方当代艺术。但对于经典的西方古典艺术的收藏，中国几乎是空白。我们的收藏是在为下一代人收藏，是将来中国艺术的一个组成部分。例如日本，西方当代艺术的收藏市场就很大，而这些收藏对日本的艺术家都会产生一定的影响。如果今天我们能有这样的收藏，对于我们未来的艺术创作、繁荣会起到很好的作用。目前，由于西方画廊的经营比较规范，价格也比较公道，我们收藏西方当代艺术，给我们提供了很好的可能性。而谈到西方艺术收藏，需要一个除了钱的准备，即知识上的准备，例如对西方美术史的一个准备。除了西方经典艺术的收藏，当代艺术也值得关注，张敢教授认为将来东西方艺术的交流会变得非常自如、频繁，对于西方经典油画的收藏，是一个好的方向。

对于经典艺术的界定问题，张敢教授认为很难界定，经典艺术应该是已故大师的作品，并且是在一段时间内价格是稳定的，或者大家对他评价是比较固定的，比如19世纪的布格罗，他生前说：“我的每一分钟都值400法郎”，而他死后，价格一落千丈，甚至有人在他的画上再画一幅画将原画盖住。而到20世纪中叶时，他作品的价格又被重新提升，大家又开始重新认识类似布格罗这样的画家。在当代艺术家眼里，和现代批评家眼里，或许学院派画家不值一提，是比较低级的，但实际上，慢慢随着时间的发展，，我们会重新认识这些学院派画家，他们的价格也要被重新估价。这些人，如果被称为经典，他们的价格可能会有所波动，而在世的艺术家，再过50年，他们的作品被称作经典，张敢认为是值得怀疑的。

中国艺术史学家的理论知识，与西方经典艺术画廊负责人的实践经验，可以直观的阐述经典艺术的存在意义及发展进程。是此次论坛中较具代表性的一次研讨。而此次研讨会，结合博览会的进行，更加形象化，使研讨会达到一个高度，不再是纸上谈兵，同样也使博览会更加学术化、权威化。经典艺术的主题，将会成为艺术北京里永远的经典话题。

先看动漫

望

近几年，一股名为动漫产业的飓风突如其来的席卷中国的大江南北，并逐渐走向成熟。一时间，动漫公司数量剧增，动漫学科自成体系，动漫专业型人才急缺，整个动漫行业成为人们关注的焦点。但中国的动漫发展历史却不仅限这几年，而是早在20世纪20年代，中国即已经出产无声动画，紧接着有声动画，再到动画电影长片，走过了艰难曲折的探索历程。1941年，万氏兄弟创作的动画电影《铁扇公主》正式公映，标志着中国动画逐渐走向成熟。

记得小时候，从未听过动漫一词，大家常常讨论的，常常观看的是一个叫做动画片的电视节目。上中学后，手中不知何时多出一本名为漫画的黑白图册，但大多来自日本。时至今日，动漫一词早已街头巷尾，想必是动画片与漫画结合的简称版吧。日本动漫始终占据领先地位，而动漫业也是日本最重要的产业之一。《圣斗士星矢》、《灌篮高手》、《美少女战士》等对于80后人来说，早已耳熟能详，且几近占据着每一个80后的童年记忆。同时，国产的《黑猫警长》、《金刚葫芦娃》、《大头儿子小头爸爸》也充斥着大家的回忆，大家会不约而同的哼唱里面的主题曲，会扮演其中的不同角色，会买自己钟爱形象的不粘胶贴在自己的课本或书桌上。可以说，动漫产业早已植入人们的内心，成为一种不可或缺的文化形式、文化符号。但始终未有一个代名词将此形式组织起来，形成一个系统的体系，一个产业。

当下，随着动漫产业的不断壮大，必然会遭遇各种不同形式的问题，一个整合问题的组织机构是必要的，一场解决问题的研讨会也是必要的。此类主题的民间会议层出不穷，各动漫艺术家、动漫企业老总努力的推动着中国的动漫产业发展，但国家的扶持与重视，才会真正打开解决问题的大门。2006年，国务院转发了财政部等部门《关于推动我国动漫产业发展的若干意见》（国办发【2006】32号），并成立了由文化部牵头的扶持动漫产业发展部际联席会议。从此，中国的动漫产业开始步入正轨。原创动画数量大幅增长，质量突飞猛进，一大批优秀电视动画纷纷问世，动画电影也开始复苏。科学技术的发展壮大，新媒体、影像等技术的不断介入，促使动画产业的多元化。

动漫归根结底是一种艺术形式，只不过介入了一些科学技术在里面，所以不属于纯艺术的范畴。但动漫产业人群，不仅希望自己的产业在科学领域凸显，更希望得到艺术领域的认可。于是乎，中国美术馆——这个中国艺术的最高殿堂成为他们的梦想。他们渴望在此做展览，做学术研讨，渴望盖上学术、权威、专业的印章。历经千难险阻，终于得以实现。由国家十部委联合主办的“首届中国动漫艺术大展”于2009年10月26日在中国美术馆拉开帷幕，并于次日举行学术研讨会。此次大展及会议，对动漫产业具有历史性意义，使动漫产业达到一个高度，鼓舞并推动着动漫产业的繁荣发展。同时，对中国美术馆来说，也是一个具有里程碑意义的展览，使中国美术馆打开了封闭的大门，吸纳更多的艺术形式的介入，更加开放，与时俱进。

再看动漫论坛

闻

研讨会于10月27日上午8：30在中国美术馆如期举行。到会的嘉宾与听众，都是动漫界的杰出人才。

袁运甫老先生，以其资深的前辈身份，做了开场演讲，而“动画是动情的美育”的这场演讲，也让在座的每一位为之动情。教育的方式有很多种，书本教育、视频教育、学校教育……如果说教育，可以是方方面面，周围人的一言一行都可以感染着彼此。动画是一种特殊的形式，它要求美感，可以提高人们的审美情趣，内容的深刻含义恰恰可以起到教育的作用，因此，动画既是动情的，也是美育的。今天，动画所应背负的责任又增加了一笔，即科技含量，动画应该顺应社会大的发展趋势，结合新兴科技，以便将动漫产业发扬光大。

动漫产业是个特殊的产业，它蕴藏一定的文化内涵，看似从属于艺术文化产业，却又不纯粹，与科技紧密相连，形式复杂多样。北京电影学院动画学院院长孙立军，以其多年的教学经验和对动漫的实践经验，并结合我国当代的国情政策，深刻谈论了动漫教育与发展所存在的问题。

《漫友》杂志在中国本土的动漫杂志中，算是佼佼者。至于此书的历史，我没有深入的了解，但从我开始了解漫画，知道漫画之日起，就已注意到了伴随漫画书籍旁的《漫友》杂志。在我的记忆里，那个年代，大家会到报摊关注的是《读者》、《青年文摘》、《当代歌坛》和这本专属漫画人士的《漫友》。身为《漫友》总编的金城先生，以动漫业的主导媒体代表谈论漫画与动漫产业的关系，自然当之无愧。他像是一个始终关注动漫的旁观者，见证着动漫产业的成熟发展历程，并从漫画业的角度，分析动漫产业，提出原创漫画是动画的试金石观点，既满足了成本低，易于操作，又减少了市场风险。

上海今日动画老总张天晓，长着一双灵动的大眼睛，不仅透视着动漫市场的前景，且反射着动漫业的现状。张总会谈到机遇，因为他懂得抓住机遇，运用机遇，所以他成功了。他说，机遇往往存在于一个变革的时期，而现如今的机遇便是新媒体的介入，我们应该抓住这个与新媒体结合的机遇，早日找到中国动漫的春天。

与今日动画的张总相比，天津神界的陈总要稳重的多。他主张研究理论学术，并细致分析此时期动漫产业所遇到及将遇到的困难问题，提倡未雨绸缪，重视务实。相信陈总成功的秘诀中，扎实稳健的前进应该会占很大一部分。

台湾漫画家敖幼祥的《乌龙院》，曾经风靡一时，或许现在这股潮流风仍继续席卷着。他的漫画有自己的特色，脱离很多仿日派画家的做法，有中国味儿，却又有所进步。而其最大的特点，在于语言文字的运用，和内容的趣味性。看他的漫画，完全想象不到他的创作状态会是“暗天无日”，他对漫画的执着感动着所有人，也应感染着所有致力于动漫产业的人更加努力拼搏奋斗。

上海电影集团的汪总，从动漫内在的、主观的角度深刻阐释了民族动漫的忧思问题。动漫与高新科技的结合固然重要，但内在的思想内容，所产生的影响同样对动漫产业的兴衰起着决定性作用。外在的，技术上的可以与时俱进，但内在的，思想上的必须注重内涵、注重文化。大到每一个产业，小到每一件东西，它都有其存在的价值和意义，怎样引导其价值意义朝正确的方向发展，是至关重要的。原创动画杜绝肤浅，应该要深入人心。

中国的动漫产业，起初是以电视动画开始的，动画片一直是少年儿童所青睐的，也是童年里的美好回忆。就好像电视节目是分群体收看的，电视剧是大人的天地，而动画片是儿童的天堂，这种情况想必只有中国才存在吧。日本的动漫业一直都很强大，是日本的重要产业，所以动漫市场成熟，覆盖面广，可以说，动漫在日本是老少皆宜的一种电视节目。湖南电视台金鹰卡通卫视的雷瑛总监，或许是从小经历着中国动漫产业的逐渐成熟，对中国的动漫有着颇深的见解。她是全场唯一的女演讲嘉宾，她以女性独有的姿态，向听众阐述了自己对中国动漫产业的建议和意见。

而对于科技这一部分，中科院自动化研究所科学艺术研究中心的张之副主任是最有发言权的。他从专业的角度，向听者讲解了动漫中的科技，及科技对于动漫产业将会产生的影响意义。

新媒体是当下比较热的一种新兴科技形式，许多产业都争相与其靠拢，动漫也不例外。拓维信息系统股份有限公司的李新宇董事长，率先将新媒体与动漫相结合，并达到预期的理想效果。他在手机上添加四格漫画、视频动画等，扩大动漫产业的覆盖面，不仅扩大了动漫产业的发展空间，还给手机业带来了新的商机。

香港的商业在世界的排名中数前列，电影电视业也不甘落后。或许是生长在大陆的缘故，对香港的电视剧了解颇多，却很少接触香港的动画业。黄玉郎是香港著名的漫画大师，他以一个香港人的身份，从香港的角度，来谈中国的动漫业。他的论题，没有那么沉重深奥，只是切中现实而谈，直观的阐释了自己对动漫业发展的理解。

问

此次研讨会形式自由，临末特设一场专题研讨，由北京电影学院动画学院副院长曹小卉主持，中国传媒大学动画学院院长廖祥忠、中国美术学院传媒动画学院书记、副院长林超、吉林动画学院院长常光希进行对话研讨。围绕动漫产业与人才培养进行研讨，四位嘉宾都是动漫学院的带头人，均肩负培养动漫人才的责任，对动漫人才的教育问题认识深刻，他们用半小时的时间，以最简短的语句分别阐述了自己对动漫产业教育的感悟，并提出了有建设性的建议。

曹小卉（主持）

中国的未来在于我们对人才的培养，而人才的培养也是我们几所高校义不容辞的责任，现在的动画教育集中在两个问题上：第一个是教什么，第二个是怎么教。

我对袁运甫的观点，“动画是一个动情的美育”，感受很深，从一代代的动画前辈身上，可以感受到他们对动画的追求、对动画的执着。作为老师，首先应交给学生动情的这一点，执着的投入到动画中。动画教育，乃至所有教育，首先都应该是情感教育。

林超：

动画教育应该分门别类，根据产业的需要来设立不同专业。从空间艺术逐渐向时间艺术过渡，这一个过程是漫长的，这也是我们现在动画教育非常重要的一个问题。怎样使我们这些空间艺术家更能适应时间艺术的表达？这里面有叙事性、戏剧性、画面的连续性，这些方面是我门现在比较注重的，希望我们的学生可以成为创造性人才，以美术学院作为基础。

曹小卉：

因为动画教育发展到现在，从全国兴起大概十年，也分成两种不同意见：一个是认为应该强调动画制作的技术，所以提倡以项目再教育；另外一种是中国传媒大学的前动画学院院长朱胜刚先生提出，说我们应该着重培养艺术创意人才，这个请廖祥忠来向大家介绍。

廖祥忠：

我想谈的是中国的动画教育缺少什么，为什么我们的毕业生和中国的企业不能正确的对接？为什么中国的动画教育经常受到企业的质疑？同样的国家，在上海美术电影制片场，那个时候条件多么艰苦，而我们国家自己培养出一批又一批引领世界潮流的艺术家。那么现在条件这么好，为什么没有出现当初那种世界级的艺术家或者说是出现的比重没那么大？在我看来，最主要的问题有两点，一个是我们学生的世界观问题没有得到最彻底的与时俱进，没有受到良好的教育。就拿这个行业说，我们遇到很多人才，他们的灵气功底，都很好，但这么有潜力的学生为什么都没创造出得到社会认可的价值？一个很重要的原因，他们对企业太挑剔，他们一到企业就想拿高薪，就想得到好的待遇，而不是像我们的前辈，从基层一步步做起。于是他们放弃了企业，自主创业，那么经过几年之后，这帮有灵气的孩子就消失了，非常遗憾。那么如果说，这些孩子们，他们的世界观能和我们的前辈一样，他们能够献身一项事业，我相信他们一定能创造出非常优秀的作品。我相信，在我们的民族文化下熏陶出的中国人，智商根本不比别人差。现在的主要问题是我们的动画教育应该让学生提供这种奉献精神。那么，我们谈的很多的就是这种团队精神：怎么与团队合作，怎么与大家一起创作出更好的动画片。这个层次我认为是必要的，但是超越这个层次，如何放眼更久远一些，如何把自己的这种奉献精神与国家的命运生死与共，我想这个问题，目前没有得到很好的解决。以至于我们很好的人才，甚至更高的人才流失了，非常可惜。第二个问题，我认为，在数字媒体时代，我们的动画教育必须与时俱进，现在的要求和当初的要求尺度完全不同。科学的力量非常重要，如何把科学与艺术结合起来进行创作，而不是技术和艺术。我觉得技术是个应用层面的问题，科学是一种思维、一种观念，我们必须要有这种观念。我思考，在现阶段，在科技发展道路如此高速的阶段，我们动画的创作领域没有引进科学的思维，而仅仅停留在技术层面的创作思考。第三个问题，我认为在现阶段，我们学生的综合能力不行。经常听到业界的朋友讲，我们动画的三端，前端，中端和末端。中端来看，中国培养的学生没有问题，可以进行剧作，而前端和后端比较缺少，所以我们要以此来改变中国的教育，为什么会这样。所以我自己的结论是，我们学生的综合能力必须加强，必须有效地提高。一个是驾驭科学的能力，一个是科学思维能力，还有外语能力，接受新鲜事物的能力，同时还包括在新媒体时代沟通的能力。因为在新媒体时代，我们可以实现国内国外的统一，同时创作的问题都能实现，所以这种创作的观念必须改变。我想这种能力对于现在的教学，特别是教师，是很有必要的。作为高校，这种培养理念必须得集中。否则的话，我认为我们的学生很难适应将来的发展。我可以断言，再过5年，我们再回到这个讲台，再谈到动漫创作的问题的时候，大家肯定觉得在以前的观念上，我们会有论理上的间隔，因为新媒体时代马上就要到来了，我们的创作观念，我们的教育观念，必须跟进才行，所以我们要高度重视这一块。

曹小卉：

我们动漫产业发展很快，但是我们的教育没有适应动画产业的发展，所以动漫人才没有出来。中国人才的匮乏不能把教育全都推到高校身上，因为中国人才的动画教育应该是终身的。我们为何不办些高等动画专业的附中呢？从高一开始接触，这样我们把人才分流，也是对动画产业链的补充，这部分我们可以用附中或中专解决。动画人才是个金字塔，教育应该多层次，多阶段的，从小培养。

廖祥忠：

由于国家的制度，现行的规章，我们办附中不太切实。

林超：

我认为，目前整体来说，我们教育的最大问题，是产业上的大跃进，所有的动漫产业都极其年轻，除了美术电影制片厂和中央电视台。我们对现在的年轻人，有点宠坏，按照国际基本惯例，编剧一般的年龄35-55岁，因为你没有任何社会阅历，就像是背唐诗一样。中国学派是怎么形成的，是用几十年功夫。宫崎骏三年做一个片子，他做第一个片子时50岁。可是你看看我们目前的动画，杭州动画公司暴涨，从原来不到一百家，扩展到4000多家。所以我觉得在人才培养上，太快。

常光希：

动画是流动的，它本身是创意的，也是互相交流的。它容易近亲繁殖，包括我们学校之间的交流、产业之间的交流，我认为也该加强。

曹小卉：

几位老师都说，中国动画教育发展过快，过快就带来了一些问题，是不是忽略了学生的思想教育。理想，起码在我们中国，必须是大学本科，就像廖老师所讲，如果一个人没有理想，就很难成为一个好的动画大师。第二个就是林老师和常老师讲的，要有技术。不是在学校，要有实践，要有阅历，很多人都不是在学校里学的。大家都知道在电影学院出过一个78班，张艺谋，陈凯歌。因为邓小平的政策，78班是恢复高考的第二年，很多人都有很丰富的阅历，在社会上摸爬滚打很多年，有些甚至是社会底层。所谓底层，不带政治含义，而是他的生活状态，他们成才除了有社会的磨练外，还有对自己意志的磨练，一种感悟。所以现在电影学院越来越重视这些，比如说下乡，要提高思想理想的教育，再提高他们的审美情趣，这是我们将来的动画教育要注意的问题。

廖祥忠：

我想说四个字，急功近利，我们动画的教学急功近利，老师急功近利，学生也急功近利。我有个调研，中国高校中动画专业的统计，是282所。而绝大部分院校是有问题的，将来的问题怎么办，大浪淘沙，我们要将有能力的高校聚在一起，大家形成一种力量，大家资源互相整合利用，这样我们的动画教育才有希望。因为现在我们中国几所好的动画院校，各有各的特色，各有各的优势，如果这些优势可以加到一块，那我们学生的综合优势就能够得到显现。所以作为高校教育者，我们有义务把它整合起来。

最后，各位老师各用一句话结束了此场讨论。

常光希：“不骄不躁，任重道远”

林超：“天塌下来，也要画”（经常对学生说的话）

廖祥忠：“请各位给我们时间”

切

对于这场高峰论坛，听众的评价是：最高端的政府平台，最高端的学术殿堂，最高层的演讲嘉宾，最高规格的主持嘉宾，最高规格的听众嘉宾。末了，以文化部产业司动漫部的处长宋奇慧的动情发言，结束了此次研讨会。

宋奇慧：

感谢在座的各位给予的高评价和高期待。包括论坛的主持，以及美术馆做展的创意，不是我一个人提出来的，是很多专家的建议，我只是一个执行者。去年孙立军老师和我提过，要在美术馆办这个展，让我们中国的动漫艺术进入中国艺术的最高殿堂。我认为我们对中国今后动漫产业的发展，应该要避免大家论坛中的问题。怎样通过艺术的繁荣，通过提高我们艺术创作的水平，包括通过人才的培养，以及理论的建设和指导，各个方面能够给我们中国动漫产业发展指出一条明晰的道路。同时能够把我们的动漫，一门仅仅是产业或者是特别的没有形成产业链的一个单独的艺术门类，或者是一个产业种类，把它们结合起来，我想这个发展是要在各位的共同建议、倡议和努力下办成的。

研讨会在大家的鼓掌声中结束，并期待着下一届的相聚。此次研讨会有着里程碑的意义，无论对于动漫产业，还是对于中国美术馆来说，都是第一次。相信，这个共有的第一次，定会给彼此带来难以预想的好成果。

TEDxBeijing – LinkedIn – 11/13/09
TEDxEDU – 11/14/09
TEDxGreatWall – 4/27/10
TEDxGuangzhou – 12/5/09
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